DIARIO “CRÍTICA”

Historia

El periodista uruguayo Natalio Botana fundó el diario Crítica el 15 de septiembre de 1913. Esta primera edición se componía de 5.000 ejemplares, que Botana había financiado gracias a un préstamo realizado por Marcelino Ugarte, político perteneciente al Partido Autonomista Nacional que ejerció en reiteradas ocasiones el cargo de Gobernador de la Provincia de Buenos Aires. Debido a la cercanía de su director con los políticos conservadores, el diario fue opositor al gobierno del Presidente Hipólito Yrigoyen, titulando "Dios salve a la República" el día de su asunción.

El éxito del diario sufre un aumento muy importante en los años siguientes, consolidándose en 1922 cuando saca su quinta edición y comienza a vender 75.000 ejemplares diarios. Desde ese momento el diario comienza a ampliar su espectro, y en 1923 comienza con la producción deportiva al cubrir la pelea de boxeo entre Jack Dempsey y Luis Ángel Firpo. El 26 de febrero de 1926 el diario alcanzaría su cifra récord de ventas, al alcanzar los 900.000 ejemplares diarios, y el 5 de noviembre de ese año se lanza Crítica Magazine, un suplemento cultural en el que escribieron figuras como Roberto Arlt, Raúl González Tuñón, Enrique González Tuñón, Carlos de la Púa, Ricardo M. Setaro, Alfonsina Storni y Ulyses Petit de Murat.

Continuando con la línea clásica, el diario Crítica apoyó el golpe de estado que derrocó a Yrigoyen en 1930. Sin embargo, a partir de 1931 comenzó a distanciarse de los sectores militares y permaneció clausurado durante los dos años siguientes. Sin embargo el 17 de marzo de 1932 se lanza el noticiero cinematográfico que convertiría a Crítica en el primer grupo multimedios del país. El diario retomó su funcionamiento y el 12 de agosto de 1933 se creó un suplemento cultural llamado Revista Multicolor, que duraría hasta octubre de 1934. Esta revista era un suplemento de aproximadamente ocho páginas que se encontraba impreso en color, y cuya dirección se encontraba a cargo de Jorge Luis Borges y Ulyses Petit de Murat.

En agosto de 1941 Natalio Botana muere en un accidente automovilístico, dejando el diario a su familia. Al igual que con el gobierno de Yrigoyen, el diario también fue muy crítico con el gobierno del presidente Juan Domingo Perón, convirtiéndose en uno de sus principales opositores. Debido a los problemas económicos del diario, en 1951 la familia Botana se ve obligada a venderlo, siendo comprado por el gobierno de Perón. Finalmente, alejado del esplendor que lo caracterizó durante las décadas de 1920 y 1930, el diario dejó de circular el 30 de marzo de 1962.

Edificio

Avenida de Mayo, Buenos Aires. Edificio que fue sede del Diario Crítica.

Aunque la primera sede de la redacción de Crítica se encontraba en la calle Sarmiento al 800, se trataba de oficinas alquiladas. No fue hasta mediados de la década de 1920 que se adquirió uno de los pocos terrenos libres que quedaban en la Avenida de Mayo, con el objetivo de construir el gran palacio periodístico.

Para ello, Botana contactó a los arquitectos húngaros Andrés y Jorge Kalnay, quienes en 1926 proyectaron el nuevo edificio. Según algunas fuentes, la obra habría sido en su mayoría diseñada por Jorge, siendo de Andrés sólo los ornamentos y decoración de la fachada.1 El palacio de Crítica sería inaugurado en septiembre de 1927, con un gran festejo correspondiente a la importancia que tenía el diario en ese momento.

Aunque Botana rápidamente justificó el lujoso edificio como un palacio para el pueblo, no dejó de tratarse de una excepcional sede con todos los adelantos para la época y algunos detalles extravagantes, como una sala de armas para su dueño y director.2 En el sótano estaban las maquinarias y rotativas, en el primer piso la oficina del Directorio, en el segundo el despacho del Botana, el salón de actos, la biblioteca y el archivo de Crítica; en el tercer piso la redacción, en el cuarto los grabadores y la administración y en el quinto los talleres. Además, el edificio tenía una serie de consultorios médicos y jurídicos de atención libre, a los cuales se accedía por la entrada posterior en la calle Rivadavia.

En cuanto a su estilo, el edificio del diario Crítica fue una de las primeras piezas de art decó porteño, y una de las más destacadas junto con las del arquitecto Alejandro Virasoro. Este nuevo movimiento se había gestado en París en 1925, y un año después ya los hermanos Kalnay lo aplicaban a la sede del diario. Jorge Kalnay fue un gran interesado en la cultura y arte precolombinos, y los aplicó al diario Crítica, decorando los pisos con ilustraciones del calendario azteca, y las ventanas con vitrales de motivos solares. La oficina de Botana aparece jerarquizada en la fachada, ya que está retirada del frente, ornamentada con motivos botánicos que aluden al árbol del periodismo, y sus frutos y custodiada por cuatro estatuas.

Otro detalle notable del edificio de Crítica fueron sus puertas corredizas de bronce, de gran grosor, que permitieron salvar al personal del diario en oportunidades de manifestaciones violentas que intentaron atacar la sede.

En la actualidad, este edificio que se encuentra en Avenida de Mayo 1333, pertenece al Estado Nacional, y aloja a la Superintendencia de Administración de la Policía Federal Argentina.

Talleres

El segundo edificio perteneciente al diario Crítica fue inaugurado el 1 de diciembre de 1930, y alojó a los talleres auxiliares, en la calle Salta 1915, a pocas cuadras de la Estación Constitución. Proyectado por los arquitectos Pibernat y Loizaga, y colaboración de Virasoro, comparte el estilo art decó distintivo de la sede de Avenida de Mayo, y se destaca por una gran torre que asoma hacia el fondo del terreno, visible desde los alrededores, que aún en la actualidad ostenta el logo del periódico, deteriorado por el paso de las décadas.

En 1997 fue parcialmente ocupado por la Fundación Cinemateca Argentina, y en 2004 fue restaurado por el Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina (SICA), con colaboración del INCAA y la Corporación Buenos Aires Sur, para alojar a su Centro de Formación Profesional.

                                                                      Maximiliano Reimondi

Día del Teatro Rioplatense en homenaje a José Podestá

Ciudadano ilustre de La Plata, notable trapecista y actor, fue creador del teatro criollo rioplatense. Pepino el 88 y Juan Moreira, sus célebres personajes.

Pepino el 88:

“No deja de ser basura

la basura que se barre

por más que suba en la altura

basura será en el aire”

(Cantaba Pepino el 88, histórico payaso personificado por José Podestá)

El Día del Circo y del Teatro Nacional y Rioplatense se celebra en homenaje a José Podestá, que nació el 6 de octubre de 1858 en Montevideo, Uruguay. En Argentina es considerado el padre del Circo Criollo y también recordado por Pepino el 88, un payaso que fue modelo del cómico rioplatense.

José Juan Pepe Podestá viene del seno de una célebre familia de artistas rioplatenses, los famosos Podestá. Junto a sus hermanos Gerónimo, Juan y Antonio sentaron las bases de una dinastía circense-teatral: la Compañía de los Hermanos Podestá.

El actor uruguayo es el cuarto hijo de Pedro Podestá y María Teresa Torterolo que llegaron a Uruguay entre 1840 y 1842, país donde se conocieron y se casaron. Don Pedro Podestá había servido como abastecedor de carne en la Gran Guerra italiana a las órdenes de Garibaldi. Luego se trasladaron a Buenos Aires en 1846 y abrieron una pulpería en el barrio porteño de San Telmo, pero unos años después, a raíz del fuerte rumor de que luego de la batalla de Caseros el General Urquiza degollaría a los gringos, regresaron a Montevideo en 1851. Fue en esa ciudad que nace Pepe quien desde muy niño aprendió a ganarse la vida para ayudar a sus padres, que tuvieron nueve hijos: Luis, Jerónimo, Pedro, José, Juan, Graciana, Antonio, Amadea y Pablo. Sus primeros ejercicios acrobáticos fueron saltando de piedra en piedra, trepando acantilados y navegando en barcos de pescadores.

En el año 1872, aprovechando un viaje de su padre, Don Pepe fue a la función nocturna de uno de los circos de Montevideo. Le gustó tanto que junto a sus hermanos mayores y amigos trataban de imitar lo que habían visto en el circo. Hasta que en 1873 decidieron abrir un circo en una cantera, con entrada libre y gratuita, solo recibían monedas que la gente les dejaba a modo de agradecimiento. Lo cierto es que el circo se fue haciendo popular y cada domingo aparecía más gente, y con el tiempo se sumaron unos músicos.

En 1975 Pepe tuvo su primer contrato pago como reemplazo de un trapecista. Con los años los hermanos Podestá afianzaron su labor y tuvieron su primera carpa para salir a probar suerte por los pueblos cercanos a Montevideo. En ese ámbito nació Pepino el 88, un payaso que debió reemplazar al payaso original utilizando un disfraz hecho con sábanas con cuatro lunares que simulaban ochos y que imitaba al compadrito y al niño bien de aquel tiempo. Según las memorias de Pepe, el famoso Pepino el 88 del Río de la Plata, decía: “Estudio, trasnocho, salto, brinco, con maestría, y el público casi chocho, me llama desde aquel día. Pepino el 88”.

Ya afianzado con el grupo deciden cruzar el Río y la primera salida para Buenos Aires la hacen el 16 de mayo de 1880. La compañía se llamaba Rosso-Podestá y al llegar se instalaron en el Jardín Florida, lo que hoy sería las calles Florida y Paraguay, del microcentro porteño.

Rápidamente lograron un gran éxito y se empezó a sumar gente, uno de los primeros fue Pablo Raffetto, antiguo compañero de Montevideo que se hallaba por entonces en la ciudad de Dolores. En 1882 inauguraron en Buenos Aires el Politeama Humberto Primo, construido por Raffetto.

Con una carpa itinerante comenzaron a recorrer la provincia de Buenos Aires, Santa Fe y Córdoba: malabaristas, forzudos y payasos eran la base de la compañía. Por otro lado, muchos de los grandes teatros de la Ciudad de Buenos Aires, fueron escenario de diferentes versiones del espectáculo de la familia Podestá: el Teatro Colón, el Teatro Liceo y el Teatro Nacional entre otros.

Hasta que en 1885 decidieron hacer una gira por Brasil que resultó muy exitosa. Al regresar se radicaron en la ciudad de La Plata, donde debutan como compañía Podestá-Scotti en sociedad con Gerónimo, Juan y su cuñado el empresario circense y acróbata Alejandro Scotti, casado con Graciana Podestá, creador de El vasco de Julián Giménez.

La historia de aventuras de la familia Podestá tiene un vuelco inesperado para lo que es el teatro criollo, porque un 10 de abril de 1886, en la ciudad de Chivilcoy, se estrenó el drama criollo Juan Moreira. Con cantores, guitarristas y bailarines, se presentaba lo que más tarde sería considerado el primer drama argentino e inicio simbólico del teatro rioplatense.

En 1896, gracias al éxito de Juan Moreira, se estrenó Calandria de Martiniano Leguizamón, pero esta vez  la obra se estrenó en teatro y con otro final. Muchos consideran que fue uno de los mayores éxitos de esta compañía de los Hermanos Podestá que luego se dividió a raíz de algunos roces y diferencias entre los hermanos. Fue así que en 1897 Pepe se quedó con el Teatro Politeama Olimpo de La Plata, donde con mucho esfuerzo y afrontando una serie de deudas pudo conservarlo y establecer la Compañía Circense Teatral, hoy conocido como Teatro Coliseo Podestá.

También incursionó en el mundo de la cinematografía filmando dos películas mudas: Mariano Moreno y la Revolución de Mayo en 1915 dirigido por Enrique García Velloso y Santos Vega en 1917 dirigido por Carlos de Paoli.

Don Pepe fue un hombre sencillo, aventurero y emprendedor que trabajó hasta los 70 años rodeado de sus hijos y nietos, todos integrantes de la compañía teatral Podestá. Pasó sus últimos años en su casa contigua al teatro, hasta que el 5 de marzo de 1937 murió a raíz de una enfermedad que venía arrastrando.

José Podestá, don Pepe o Pepino el 88, como más guste, fue el padre del teatro criollo rioplatense.

                                

                                                                    Ángel Colángelo

MÚSICA

DAVID LEBÓN

David Lebón es un músico multiinstrumentista de rock argentino, que nació en Buenos Aires el 5 de octubre de 1952.

Inició su relación con la música cuando, a los ocho años, debió partir hacia EE.UU. para tratarse un problema asmático. Su estadía en el país norteamericano coincidió con el boom de la «beatlemanía» lo cual, como a la gran mayoría, influyó decisivamente en su futuro. Fue así que —cuando todavía era menor de edad, lo que no le permitía permanecer en los boliches rockeros— formó parte de pequeños grupos como The Alley Cats (donde tocaba la guitarra) y The Lords of London (a cargo de la batería).

Tras su regreso, a finales de la década del sesenta, era habitué de La Manzana, uno de los pocos boliches de rock que existían en Buenos Aires, regenteado por Billy Bond, el más polémico pionero del rock vernáculo. En ese sitio conoció a Pappo —otro «estable» del lugar, al igual que Nacho Smilari y Héctor Starc— quien en 1970 lo incorpora como bajista en la primera alineación de su grupo Pappo's Blues, conformada también por Black Amaya en batería y un fugaz paso del bajista Vitico. Esta primera formación de Pappo's Blues registró un disco homónimo en 1971, que tuvo un notorio éxito.

Simultáneamente, y bajo el seudónimo de «Davies», Lebón participó como guitarrista —con el baterista Black Amaya— de la grabación del primer disco de La Pesada del Rock and Roll, junto al mencionado Billy Bond.

Su necesidad de estar en actividad lo llevó a acompañar al cantante Carlos Bisso y luego partir a España. Allí se volvió a encontrar con Pappo, con quien formó un fugaz grupo del que también participó Ciro Fogliatta. En realidad se trató de un intento de hacer resurgir al grupo Los Gatos, pero sin el líder (el tecladista y compositor rosarino Litto Nebbia), que no prosperó. A finales de 1971 fue baterista de Color Humano, grupo liderado por Edelmiro Molinari. Junto a esta alineación grabó el álbum debut con cinco temas para el sello Microfón.

En 1972 Lebón dejó la agrupación y su puesto fue ocupado por el baterista rosarino Oscar Moro. Ese mismo año, Lebón entró en el conjunto Pescado Rabioso, fundado por el guitarrista Luis Alberto Spinetta (después de pasar la experiencia con el grupo Almendra, muy importante en la historia del rock argentino). Esta nueva banda —compuesta por Spinetta (guitarra y voz), Carlos Cutaia (teclados), Black Amaya (batería) y David Lebón (bajista y ocasional guitarrista y cantante)— editó un álbum titulado Pescado 2. Diversos inconvenientes de producción derivaron en la separación de la banda.

Tras la experiencia Pescado Rabioso, Lebón lanzó su primer álbum solista (David Lebón) en 1973, a instancias de Billy Bond, disco que David grabó prácticamente solo, tocando casi todos los instrumentos, y que contenía toda su fuerza rocanrolera. "32 macetas" —un tema que volvería a grabar años después—, "Dos edificios dorados" y "Hombre de mala sangre" son algunos de los temas que se destacan de este disco, compuesto en coautoría con su pareja de entonces, Liliana Lagardé, el álbum fue presentado en septiembre del '73 en el Teatro Ópera de Buenos Aires.

Para grabar el disco durante el camporista otoño del '73, dice la leyenda, Billy Bond bloqueó por una semana el estudio Phonalex y se sacó de encima al técnico de grabación presentándole amigas y prestándole un departamento. Esto es algo que el Bondo niega terminantemente: por esa época, Bond y Álvarez hacían y deshacían en Phonalex... Si bien Lebón tocó casi todos los instrumentos en casi todos los temas, hay algunas apariciones de invitados del Bondo: Pappo (¡piano en "Treinta y dos macetas"!), Alejandro Medina (bajo), Isa Portugheis (batería) y un entonces muy joven y deslumbrado Charly García (teclados). El guitarrista jazzero Walter Malosetti (el padre de Javier, el brillante bajista) pasaba por el estudio y Bond lo invitó a grabar un solo, que según Lebón después usaría para el segundo disco solista de Gabis...

En esa misma época colaboraba casi constantemente tocando como invitado la guitarra en Sui Generis (de Charly García y Nito Mestre) y los teclados en el grupo sinfónico Espíritu, además de participar como cantante en dos temas del segundo disco solista de Claudio Gabis.

En 1974 formó el conjunto Līlā, un grupo de características devocionales orientalistas, junto a Carola y Carlos Cutaia, con el que editó un simple: "Amanece la verdad / Ah Maharaj Ji", actualmente inconseguible, aunque Lebón participa sólo en el segundo tema, el cual se puede encontrar en su compilado Obras cumbres de 2002.

También participó en la segunda grabación de La Biblia, el legendario disco de Vox Dei reversionado por músicos de La Pesada con el Ensamble Musical de Buenos Aires; del mismo modo regresó a Pappo's Blues (como guitarra rítmica), para grabar Pappo's Blues Volumen 4.

Casi sobre el final de 1975 creó Polifemo, una banda de rock and roll puro, con Juan Rodríguez en la batería y Rinaldo Rafanelli al comando del bajo, ambos provenientes de Sui Generis. En 1976, tras la presentación de su disco Polifemo, la crítica especializada fue muy dura con ellos, lo que marcó su decadencia. «Salí de Polifemo con la intención de no armar ningún grupo, con ganas de viajar —admitía Lebón en una entrevista—, antes de que Charly me propusiera que lo hiciéramos juntos. Con el único tipo de Polifemo con el que me seguía comprendiendo [...] era Juan Rodríguez. Él me preguntó qué iba a hacer y a mí me dieron ganas de seguir tocando. A la vez, estaba con dos tipos que eran de la misión, que me gustaba cómo tocaban. Tocamos en algunos recitales y [...] la gente se volvía loca, porque yo había salido de algo que era el haber dejado de tocar para mí».

Con esta, su nueva agrupación, Lebón empezó a crecer como músico pues, como él mismo lo reconocía, le «empezó a gustar escuchar los demás instrumentos, incluso dejar que toquen». Junto a Rodríguez, los músicos de la misión y varios invitados (Pino Marrone y Aníbal Kerpel, entre otros), David Lebón formó Seleste. Esta agrupación, de buenas perspectivas, quedó momentáneamente interrumpida cuando Lebón se unió en Brasil a Charly García en el proyecto Serú Girán.

Entre 1978 y 1982 integró Serú Girán junto a Charly García, Pedro Aznar y Oscar Moro. Serú Girán ha sido considerado uno de los más importantes y trascendentes grupos de la historia del Rock Argentino. En él fue distinguido como mejor guitarrista los cinco años consecutivos. Luego de Charly García fue el que más compuso para el grupo. Es en Bicicleta (1980) donde más se destaca su labor como compositor y vocalista.

En 1980 lanzó su segundo disco como solista: Nayla. Este álbum, que tuvo muchas postergaciones debido al accidente de su hija, iba a ser en principio un disco doble, pero ninguna compañía se lo aceptaba. «Ni siquiera Yes graba discos dobles», le llegaron a decir. No le quedó otra opción, entonces, que seleccionar los mejores temas —algunos nuevos, otros de su antigua agrupación Seleste— y grabarlo con Aznar, Moro, Rinaldo Rafanelli, y Diego Rapoport.

A partir de 1982, con Serú Girán ya separado, su producción como solista fue incrementándose, con una seguidilla de álbumes. Estos son:

El tiempo es veloz (1982), disco que grabó prácticamente solo, tocando todos los instrumentos, que contó con una portada ilustrada por su amigo Luis Alberto Spinetta, y donde se destacan el tema homónimo, "Tiempo sin sueños" y "No confíes en tu suerte";

Siempre estaré (1983), con temas exitosos como "El rock de los chicos malos" y la balada "Quiero regalarte mi amor";

Desnuque (1984), un homenaje al rocanrol, del cual sobresalen "El rock de la cárcel", "Qué te pasa, Argentina", "32 macetas" y "Hacelo hoy conmigo";

Si de algo sirve, con canciones como "Todos en un cuarto" o "Y si de algo sirve" (1985);

7 × 7 (1986);

Nunca te puedo alcanzar (1987).

En 1987 colaboró con Charly García en su LP Parte de la religión, donde grabó los solos de guitarra en los temas " Adela en el carrousel" y " Buscando un símbolo de paz ". En 1989, edita Contactos, lo define como «un encuentro personal entre mente, cuerpo y alma para lograr el equilibrio que mejore mi relación con el mundo, las personas y mi Creador». En 1991 lanza Nuevas mañanas, álbum grabado en los Estados Unidos con la colaboración de Pedro Aznar, que pasa prácticamente desapercibido. Es quizás el disco más flojo de su carrera, tomando un sonido más pop y sin tantas guitarras.

A finales de 1992 se produce el reencuentro de Serú Girán. Editaron un disco en estudio y dos en vivo. Realizaron una exitosa gira, en cuanto a convocatoria de público, como así también en cuanto a calidad musical. Posteriormente se disolvieron.

Lebón tuvo dos años de silencio musical, que lo tuvieron presente en las revistas del corazón por sus idas y venidas con la ex modelo Pata Villanueva. En 1995 retornó a los escenarios, primero con el Tributo a Carlos Gardel organizado por la Secretaría de Cultura y el Multimedios América, y luego, acompañado por Daniel Castro (bajo) y Daniel Colombres (batería), realizó una recorrida por toda su extensa trayectoria. Ese año se radicó en la provincia de Mendoza; mientras que, en 1995 también, graba en versión de estudio en su casa de Mendoza Mágico, junto a Vadalá, Fontana, Morelli y Arróm. Este disco (en realidad un demo) nunca salió a la venta, aunque circula en ediciones pirata. Hay muchos temas cantados en inglés, ya que Lebón compone la mayoría de sus temas en ese idioma, y luego los pasa al castellano.

En 1999 se presentó en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, para repasar los temas más importantes de su carrera, acompañado por una joven banda, y la participación de músicos de Divididos, La Mississippi, Los Ratones Paranoicos y Los Caballeros de la Quema, más una sección de bronces. El show quedó registrado en el álbum En vivo, en el Teatro Coliseo, su primer álbum en directo, editado ese mismo año.

En el año 2002 David editó Yo lo soñé, en el 2007 un álbum conjunto en vivo con su ex-compañero Pedro Aznar (consistente en 2 CD), y en el año 2009, su último material de estudio a la fecha, titulado Déjà vu.

                                                            Maximiliano Reimondi

Søren Kierkegaard

Søren Aabye Kierkegaard (Copenhague, 5 de mayo de 1813 – ibídem, 11 de noviembre de 1855) fue un prolífico filósofo y teólogo danés del siglo XIX. Se le considera el padre del Existencialismo, por hacer filosofía de la condición de la existencia humana, por centrar su filosofía en el individuo y la subjetividad, en la libertad y la responsabilidad, en la desesperación y la angustia, temas que retomarían Martin Heidegger y otros filósofos de siglo XX. Criticó con dureza el hegelianismo de su época y lo que él llamó formalidades vacías de la Iglesia danesa. Gran parte de su obra trata de cuestiones religiosas: la naturaleza de la fe, la institución de la Iglesia cristiana, la ética cristiana y las emociones y sentimientos que experimentan los individuos al enfrentarse a las elecciones que plantea la vida. En una primera etapa escribió bajo varios seudónimos con los que presentaba los puntos de vista de estos mediante un complejo diálogo. Acostumbró a dejar al lector la tarea de descubrir el significado de sus escritos porque, según sus palabras, «la tarea debe hacerse difícil, pues sólo la dificultad inspira a los nobles de corazón».

Ha sido catalogado como existencialista, neo-ortodoxo, posmodernista, humanista e individualista, entre otras cosas. Sobrepasando los límites de la filosofía, la teología, la psicología y la literatura, Kierkegaard es considerado una importante e influyente figura del pensamiento contemporáneo.

                                                     Maximiliano Reimondi

A los 87 años, murió la actriz Patricia Castell

Conocida por sus papeles de mala en varias telenovelas, fue la severa directora de “Señorita maestra”. Hizo cine y radioteatros.

30.09.2013 (Diario “Clarín”)

A los 87 años falleció la actriz Patricia Castell debido a una insufiencia respiratoria provocada por una neumonía bilateral. Hoy sus restos serán cremados en la Chacarita. La actriz, que nació en Avellaneda con el nombre de Ovidia Amanda Paramidani Padín, fue conocida por sus roles de “mala” en varias telenovelas. Además, trabajó en cine y radioteatro.

Fue la menor de las dos hijas que tuvo la familia Paramidani Padín. Desde niña, acompañada por su madre, viajaba desde el sur del conurbano hasta la Capital para tomar clases de danza en el teatro Colón. Luego, su interés por la actuación se concretó cuando ingresó y completó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático. Al pocó tiempo de recibir el título oficial como “Actriz”, recordó que “llegaron al Conservatorio mucha gente del medio buscando jovencitas para una película con María Duval y Juan Carlos Thorry, La serpiente de cascabel, dirigida por Carlos Schlieper.” Luego de ese debut en el cine se mantuvo en el medio con una premisa que ordenó su carrera profesional: “nunca hay que dejar las cosas a medio terminar, no es bueno hacer eso.” Poco tiempo antes de su muerte contó que le gustaba trabajar en las cosas de su casa, y que estaba volcada a disfrutar más del tiempo. Pero tuvo una debilidad por el cigarrillo: “fumé dos paquetes de cigarrillos por día desde los 30 años hasta los 82. Un día me faltó el aire y no volví a fumar más”, asumió.

En un momento de su vida profesional aceptó que prefería no encabezar un elenco: “No quería ser protagonista porque iba a estar limitada a un trabajo por año y yo quise trabajar más. A partir de ese momento, me convertí en una buena segunda”.

Entre sus múltiples trabajos en tele, estuvieron sus participaciones en Señorita maestra (una severa directora), Libertad condicionada (la despiadada carcelera La Loba), Amar al ladrón, Me llaman gorrión, Malevo, El Oriental, H erencia de amor, El pulpo negro, Vendedoras de Lafayette, Antonella, Perla Negra, Campeones de la vida. Entre sus últimas participaciones figuran Valientes, Vulnerables y Sos mi vida.

Mientras que en cine su filmografía se compone, entre otras, de La calle grita (Lucas Demare, 1948); Diez segundos (Alejandro Wehner, 1949); E l zorro pierde el pelo (Mario Lugones, 1950); La culpa la tuvo el otro (Lucas Demare, 1950); Sinfonía de juventud (Oscar Carchano, 1955); Las apariencias engañan (Carlos Rinaldi, 1958); Mi amigo Luis (Carlos Rinaldi, 1972) y La Madre María (Demare, 1974).

BEBA BIDART

MÚSICA

BEBA BIDART

Beba Bidart (3 de abril de 1924, Buenos Aires, Argentina - 27 de agosto de 1994), fue una cantante de tango, actriz y bailarina argentina cuyo nombre real era Eliane René Schianni Bidart.

Actividad artística

A los 4 años comenzó a estudiar en el Teatro Infantil Lavardén, a los 15, escoltada por su hermana Nelly, debutó como corista en el teatro Casino y luego pasó al Maipo, donde llegó a vedette.

Realizó unas treinta grabaciones de tango acompañada por orquestas como la de Francisco Canaro, Color Tango y el Trío Yumba, entre otros; se pueden destacar sus interpretaciones de Me bautizaron milonga, El firulete, La milonga y yo (letra de su autoría) y Ventarrón.

Su primera actuación en cine fue en Los Pulpos en 1948 junto a Olga Zubarry, Roberto Escalada y Carlos Thompson, a la seguirían más de treinta filmes.

En televisión se inició en La revista de Dringue, con Dringue Farias. Participó también en Tropicana Club, La Botica del Ángel, Chantecler y Grandes Valores del Tango entre otros programas musicales. También en telenovelas como La cruz de María Cruces, Bajo el mismo cielo y Rolando Rivas taxista donde personificaba a una conductora de taxista y en programas de humor como Porcelandia y Villa cariño está que arde.

En el teatro trabajó con Tato Bores y Olga Zubarry en la obra Madame Trece y participó en espectáculos de tango como Tu cuna un conventillo, Somos del dos por cuatro y Una noche en Buenos Aires. Además de actuar y cantar fue una gran bailarina de tango y su pareja más famosa fue con Tito Lusiardo. Bailó con varios presidentes, entre ellos Juan Domingo Perón, Pedro Eugenio Aramburu, Juan Carlos Onganía y también con Carlos Menem, a quien le aclaró que lo hacia "como radical".

El compositor Mariano Mores le dedico su milonga Taquito militar. Fue miembro de la Academia Porteña del Lunfardo a propuesta de Sebastián Piana y José Gobello desde el 2 de noviembre de 1991, donde ocupó el sillón de "Juan Francisco Palermo".

El 17 de agosto de 1979 abrió las puertas de Taconeando tangueria famosa que sigue funcionando de la mano de otras personas ajenas a de la familia Bidart hasta estos días, por la cual desfilaban artistas de renombre, políticos, entre ellos el ex Presidente de la Nación Carlos Saul Menem y el famosisimo actor comico Alberto Olmedo. Beba fue y es el alma de este lugar, al fallecer sus cenizas fueron exparsidas por la vereda de Taconeando y los alredores de la casa. El intendente de ese momento homenajeo a la vereda de Balcarce al 700 como La Vereda de Beba Bidart, cuya placa se puede ver en la pared de Taconeando. Hoy por hoy en homenaje a ella Taconeando se llama Taconeando La Vereda de Beba.

Falleció de un ataque cardíaco el 27 de agosto de 1994 en su departamento (se presume que fue mientras descansaba) después de haber realizado su función habitual en Taconeando. Como curiosidad, exactamente el mismo día también falleció otro grande del tango con quien alguna vez compartiera escenarios, el "Polaco" Roberto Goyeneche

Beba Bidart estuvo en pareja durante más de 12 años con el animador de espectáculos Cacho Fontana y luego de su separación, adoptó un niño a quien dio su apellido y llamó Paulo.

Valoración

De ella dijo el integrante de la Academia del Lunfardo Eduardo Rubén Bernal en el curso de una sesión académica, con motivo del primer aniversario de su muerte:

"Era un pedazo de Buenos Aires y quizás se debió a eso su decisión de volver, hecha cenizas, a formar parte de las calles de la ciudad (...) No olvidaré nunca la última vez que la vi bailar. Fue en esta sala, en que acompañada por Alberto Mosquera Montaña y Beba Pugliese al piano, nos regaló la poesía de un tango, porque era el baile a su manera de escribir"

Jorge Gotling la retrató con estas palabras:

"La Beba, es la versión de la Bardot de nuestro mundo. Fue la mina del enorme ratoneo. El deseo estaba puesto también en la lícita envidia o admiración de millones de mujeres con ruleros y batones, para las cuales significaba una suerte de vocera de sus cerradas proyecciones, una reivindicación de ciclos de vida cerrados nada más que en la imaginación..."

Filmografía

Funes, un gran amor (1993)

Susana quiere, el negro también! (1987)

Buenos Aires Tango (inédita - 1982)

El bromista (1981)

El infierno tan temido (1980)

La parte del león (1978)

Los chicos crecen (1974)

Rolando Rivas, taxista (1974)

Con alma y vida (1970)

Los muchachos de antes no usaban gomina (1969)

Villa Cariño está que arde (1968)

Esta noche mejor no (1965)

Cuidado con las colas (1964)

Buenas noches, Buenos Aires (1964)

La sentencia (1964)

La calesita (1963)

El mago de las finanzas (1962)

El satélite chiflado (1956)

La niña del gato (1953)

La casa grande (1953)

El baldío (1952)

La bestia debe morir (1952)

Especialista en señoras (1951)

La vendedora de fantasías (1950)

Toscanito y los detectives (1950)

Nacha Regules (1950)

Una noche en el Ta Ba Rin (1949)

¿Por qué mintió la cigüeña? (1949)

Una atrevida aventurita (1948)

Los pulpos (1948)

La serpiente de cascabel (1948)

Los verdes paraísos (1947)

El que recibe las bofetadas (1947)

El muerto falta a la cita (1944)

                                             Maximiliano Reimondi