Norberto Aníbal Napolitano (10 de marzo de 1950 – 25 de
febrero de 2005), más conocido como Pappo y apodado «El Carpo», fue un
guitarrista, cantante y compositor argentino de rock.
Nació en el barrio de La Paternal de la ciudad de Buenos
Aires el 10 de marzo de 1950, de lo que dejan constancia palabras del mismo
Pappo en numerosas notas periodísticas, la placa conmemorativa que allí se
colocó y la famosa biografía de Sergio Marchi Pappo, el hombre suburbano, donde
entrevistó a su hermana, Liliana Napolitano; lo que viene a desmitificar aquel
célebre juego de palabras que Pappo hiciera alguna vez con respecto al pueblo
de Santa Isabel, provincia de Santa Fe, donde nació su padre, Carlos.
Inicios
Norberto «Pappo» Napolitano fue uno de los fundadores del
género musical conocido como Rock de Argentina, a fines de los años 60.
En 1967, Miguel Abuelo formó Los Abuelos de la Nada. Un año
después editaron el simple Diana Divaga donde Claudio Gabis toca en el tema que
da nombre al disco y Pappo en Tema en flu. Además existe un tema - «La
Estación»; que conforman los únicos registros oficiales del paso de Pappo en el
grupo (La Estación solo fue editado en distintas recopilaciones), ya que al
tiempo renunciaría a Los Abuelos por no poder imprimirle un estilo definitivamente
«blusero» como él quería.
Llega el verano y el grupo se va para Mar del Plata, ya que
tocarían en el boliche "Mandioca", donde casualmente también se
presentaba "Manal", aquel grupo de Blues en castellano, integrado por
Javier Martínez, Alejandro Medina y Claudio Gabis. Es así que Manal le propone
a Pappo ser el invitado permanente toda la temporada, a lo que Pappo responde
con un "sí" rotundo, ya que pasaría de ser el admirador número uno, a
ser integrante de la banda.
A mediados de 1968 Carlos Bisso lo convoca para
"Conexión Nº 5", un grupo que hacía covers de temas extranjeros.
Además graba un tema para el compilado "Pidamos Peras a Mandioca", de
Mandioca, la discográfica independiente que lideraba Jorge Álvarez, que se
llama "Nunca lo sabrán"; lo acompañan Spinetta en segunda guitarra,
Edelmiro Molinari en bajo, Rodolfo García en batería (Todos integrantes de
Almendra) y Pomo en pandereta. También graba el bajo en "El Oso", el
conocido tema del primer disco de Moris, "30 minutos de vida".
En 1969, el joven Pappo (19 años) fue convocado por Lito
Nebbia para reemplazar al guitarrista Kay Galifi en la banda Los Gatos, que ya
era un conjunto ícono del rock argentino. Con ellos grabó dos discos: Beat Nº1
y Rock de la Mujer Perdida, que no casualmente son considerados los más «duros»
de la discografía de Los Gatos. Incluso el nombre del segundo LP debió ser
modificado por la censura existente en el país (iba a llamarse Rock de la Mujer
Podrida).
Pappo's Blues
«Pappo's Blues» estaba formado originalmente por Pappo, en
guitarra, David Lebón en bajo y el baterista Black Amaya. Sufrió constantes
cambios en su alineación, con Lebón y Amaya registraron el primer disco en
1971, en el segundo de 1972 tocarían Juan Piñata en el bajo y Black y Luis
Gambolini en batería. Para el tercer álbum, ya la alineación era otra: Pomo en
batería y Machi Rufino en bajo y coros. Para grabar la cuarta placa, en 1974,
retornaron David Lebón (pero en guitarra) y Black Amaya (batería) y se
incorporaron Alejandro Medina en bajo e Isa Portugheis en percusión.
Entre 1977 y 1978 volvió de Europa y formó Pappo's Blues,
con Conejo Jolivet, en guitarra, Julio Candia en bajo y Marcelo Pucci en
batería. Compraron un colectivo, e iniciaron una gira, por la costa atlántica;
tocaron en Necochéa, sin ensayar, dado el conocimiento de los integrantes, de
la música de Pappo. Tocaron en Rafael Castillo, para Luci, un conocido
empresario del Rock; también en Lanús y Avellaneda; se presentaron en el
programa de Léo Rivas, para Canal 2; tocaron en Baradero y se desarmaron.
Tras la fugaz experiencia de Aeroblus con el ex Manal
Alejandro Medina y el baterista brasileño Rolando Castello Junior a fines de
los años 1970, en los años 1980 fundó su segunda gran banda, Riff, integrada
por Michel Peyronel, Boff, Vitico y en algunos discos con JAF, donde dejó de
lado el Blues y se acercó al Hard rock y rock and roll. Con Pirimpimpin Geniso
como productor de Riff y también de Dulces 16, las dos bandas, tocaron juntas,
en el Cine Premier, de la avenida Corrientes.
Pappo, tocó con importantes músicos de rock y del blues
argentino e internacional, entre ellos, John Bonham de Led Zeppelin, Lemmy
Kilmister de Motörhead y el bluesman estadounidense B. B. King, quien lo invitó
a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1993.
Conejo Jolivet (guitarrista de Patricio Rey y sus Redonditos
de Ricota, Bluesbanda, Dulces 16, Pappo's Blues ), fue llamado, por su amigo
Pappo para formar Riff, pero este se negó por tener contrato con Dulces 16,
recomendando a Pelusa Serafine, quien luego fuera llamado Boff. Conejo llegó a
tocar en Riff cuando en una oportunidad, Boff no pudo viajar a Uruguay, sacando
los temas de Ruedas de Metal, en el viaje, escuchándolos en un walkman, tocaron
en el Palacio Peñarol, de Montevideo.
Pappo fue miembro de una de las formaciones de Los Gatos;
luego lideró Pappo's Blues y Riff (junto a Michel Peyronel). Esta foto fue
publicada por la revista Pelo en 1977.
A fines de los ochenta Pappo, emigró a Los Ángeles y regresó
en 1989 con una banda integrada por músicos estadounidenses, Ric Ness (segunda
guitarra), Dave Hatlee (Bajo) y Saint Bongosto (Batería), llamada Widowmakers.
Tras una gira por Argentina y algunos países sudamericanos la banda se
disolvió. Rearmó de vuelta Pappo's Blues y Riff, durante los años 1990 tocó con
estas bandas o como solista simultáneamente.
En los años 1990, Conejo Jolivet, fue llamado nuevamente por
Pappo, para Pappo's Blues, tocaron en: The Roxy (Capital), Condon Club
(Capital), en Rosario y giraron por la Patagonia y sur de la Costa Atlántica
en: Neuquén, Caleta Olivia, Comodoro Rivadavia, Plottier, Las Grutas, San
Bernardo, La Plata, Tigre, Wilde y para terminar, en el Gran Rex, de Capital,
siete noches junto a BB King.
Tocaron en el Canal Once (Telefé) de Capital Federal, Buenos
Aires; en Ritmo de La Noche, programa n.º 1 en rating conducido por Tinelli,
junto a un invitado especial: Hubert Sumlin, guitarrista de Howlin Wolf; la
actuación fue vista por televisión hasta en la ciudad de New York, USA. Pappo y
Conejo Jolivet, también fueron juntos a Obras Sanitarias, el día que Pappo tocó
con Mick Taylor (guitarrista de John Mayall & the Bluesbreakers en los
sesentas y de The Rolling Stones, en los setentas) invitado por los Ratones
Paranoicos. Conejo ayudó a Taylor, con los amplificadores y sus conexiones.
Pappo, Tony Coleman (baterista de BB King) y Conejo Jolivet, junto a Hubert
Sumlin y Adrián Flores en el Samovar de Rasputín, grabaron un CD, que se regaló
a Jimmy Page, guitarra de Led Zeppelin y a Robert Plant.
El escenario del legendario Teatro Ópera de Buenos Aires,
fue testigo de gloriosas zapadas (improvisaciones), con James Cotton (armónica
de Muddy Waters) junto a Pappo, Conejo Jolivet, Luis Robinson y Botafogo, con
el productor y baterísta, Adrián Flores. Entre el público, se encontraban,
Jimmy Page y Robert Plant. Tocaron casi 10 horas seguidas en Obras Sanitarias,
como Pappo's Blues: Pappo, Black Amaya, Juanse, Sarcofago, July Ruth y Pato
Lucas Frasca y Conejo Jolivet. También en Obras y en el Roxy, con Deacon Jones
(Pappo, Conejo Jolivet, Lucas Frasca, Luis Robinson, Black Amaya y Julie Ruth).
Entre sus obras se destacan canciones como «El hombre
suburbano», «Adonde está la libertad», «Llegará la paz», «Desconfío», «Sucio y
desprolijo», «Al sur de la ciudad» y «Rock and Roll y fiebre»; además de discos
como «Blues Local» o «Que sea rock».
Muerte
Pappo falleció el 25 de febrero de 2005 en la localidad
bonaerense de Luján como consecuencia de un accidente de tránsito ocurrido en
la ruta 5 a
la altura del kilómetro 71, a
pocos kilómetros de una casa-quinta en el Barrio Hostería San Antonio que el
músico había alquilado para pasar la temporada de verano.
Según fuentes policiales, el guitarrista viajaba
alcoholizado en su motocicleta Harley Davidson seguido por otra moto en la que
viajaban su hijo Luciano y su nuera, tras haber cenado en un restaurante. Al
llegar al paraje Estancia La Blanqueada, ambos vehículos se rozaron haciendo
que Pappo perdiera el control, cayendo al pavimento y siendo arrollado por otro
vehículo que venía de la mano contraria provocándole la muerte.
Sus restos fueron despedidos al día siguiente en el panteón
de músicos de SADAIC en el cementerio de la Chacarita (Capital Federal,
Argentina) por sus seres queridos y por una multitud de fanáticos que no cesó
de corear sus canciones y su nombre.
En la Ciudad Autónoma de Buenos Aires se ha levantado un
monumento a su memoria, situado en la plazoleta Roque Sáenz Peña (Juan B.
Justo, Boyacá, Remedios de Escalada de San Martín y Andrés Lamas).
La radio FM Rock & Pop inauguró un estudio que lleva su
nombre con un show de Divididos en agosto del 2008. El nombre del estudio fue
elegido por los oyentes de la radio.
Maximiliano Reimondi
miércoles, 20 de marzo de 2013
EL PAPA ARGENTINO
Soy
cristiano evangélico y la noticia sobre el nuevo papa de la Iglesia Católica,
me sorprendió, impactó y emocionó. Jorge Bergoglio, cardenal argentino, se
convirtió en Su Santidad Francisco, el primer Papa latinoamericano de la
historia.
Es una de
las noticias más importantes de la historia argentina y universal. Su elección
fue la única salida consensuada ante una interna feroz del Vaticano. Francisco
es la única figura relevante que respetan todas las facciones cardenalicias.
Proviene de
la orden de los jesuitas, que siempre fue una orden que defendía a los pobres.
La Compañía de Jesús, fundada en 1540 por un aristócrata vasco y ex militar,
llamado Ignacio de Loyola. El Papa reconoció a la orden seis años después y fue
disuelta por Clemente XIV en 1773. Renació 50 años después con el pontificado
de Pío VII.
Las
primeras actitudes de Francisco son de una humildad y austeridad admirables que
asumió, desde un primer momento, su admirado San Francisco de Asís. Es aire
fresco para superar los dos papados ultraconservadores que tuvimos en los
últimos 32 años.
Desde joven
adhirió a la doctrina de Juan Domingo Perón, mal que le pese a muchos
“cristinistas” que están desconcertados. Su elección cayó muy mal en el
Gobierno Nacional, ya que en la última década se mostró como un peronista
disidente al kirchnerismo y cristinismo. También fue crítico del menemismo, del
delarruismo y del duhaldismo. Vale citar, cuando en una homilía en la Catedral
de la ciudad Autónoma de Buenos Aires, hizo críticas muy fuertes al entonces
presidente Néstor Kirchner. Se las dijo en la cara. A partir de ese momento,
Kirchner (como no podía ser de otra manera) nunca se lo perdonó y lo tomó como
un enemigo más y lo marcó como el principal obstáculo a su gestión.
Es
interesante leer a un hipócrita como el periodista Horacio Verbitsky, que toma
una falacia para transformarla en una verdad para la gilada. Lo que leí en
“Pagina 12”,
el jueves 14 de marzo, demuestra la mala calidad de muchos medios gráficos
actuales. Representa un “grotesco criollo” que muestra el resentimiento de este
periodista que denuncia injustamente al Papa. No existen pruebas tribunalicias
que lo comprometan. Sí existen pruebas fehacientes que salvó a muchos. Sin
embargo, Verbitsky nunca hizo una autocrítica de su pasado. Por ejemplo que él
mismo, pactó con Eduardo Massera, junto a Mario Firmenich y sus lacayos, en
1977, para que no los mataran a ellos pero dejó librados a su suerte a los
verdaderos militantes que luchaban contra la dictadura.
La primera
homilía de Francisco, estuvo basada en los tres primeros fundamentales de la
Iglesia Católica (olvidada intencionalmente por los anteriores Papas, en base a
factores políticos y económicos): caminar, edificar y confesar.
El mundo
conocerá a un Papa que es un intelectual de primera línea y que habla al menos
cinco leguas (español, italiano, alemán, inglés y francés, además de un poco de
portugués) y a un verdadero pastor que practicó, hasta el último día de su función
cardenalicia, justicia social. El único periodista que lo mantuvo a Jorge
Bergoglio como candidato, hasta último momento, fue Sergio Rubin, del diario
“Clarín” y biográfo del actual papa.
“¡Qué Dios
los perdone por lo que han hecho!”, habría confesado Su Santidad Francisco
dirigiéndose a los cardenales durante la cena del miércoles, en referencia a la
decisión de haberle elegido Papa. Otro gesto de integridad humana. Para imitar.
Maximiliano Reimondi
GRANDES DEL HUMOR
Niní Marshall
Inició su carrera como ilustradora en la revista Sintonía en
la década de 1930 y, consecutivamente, se desempeñó como cancionista,
comentarista —con el seudónimo de Mitzy— y protagonista de programas cómicos en
las principales radios locales. Para 1938, había debutado como actriz y
guionista en Mujeres que trabajan, dirigida por Manuel Romero.
Su popularidad se acrecentó considerablemente en los años de
1940, protagonizando películas, generalmente interpretando a sus personajes
Catita y Cándida. Con Luis César Amadori, filmó las primeras superproducciones
de la historia del cine argentino: Carmen y Madame Sans Gêne. Otras de sus
películas más destacadas son Hay que educar a Niní, Divorcio en Montevideo y
Navidad de los pobres. Tras el golpe de estado de 1943 (conocido también como
Revolución del 43) debió exiliarse en México porque, según una de las
versiones, el lenguaje utilizado en sus personajes fue considerado por las
autoridades «una deformación del idioma»; en 1950 debió trasladarse de nuevo,
esta vez por falta de trabajo. Diseñó además otros populares personajes basados
en los arquetipos de la inmigración, como Doña Pola, Belarmina, Doña Caterina,
Niña Jovita o Lupe. Utilizó la caricatura como un recurso de la observación y
fue una de las figuras del espectáculo más apreciadas de Argentina.
Su retorno al cine luego de la caída del peronismo tuvo
lugar en Catita es una dama; a partir de las décadas de 1960 y 1970, intervino
en cinco comedias y sus actuaciones televisivas junto a Nicolás Mancera en
Sábados Circulares tuvieron mucho éxito, al igual que su representación del
café-concert ...Y se nos fue redepente, donde recreó a todos sus personajes. En
teatro, por su parte, se destacó en Coqueluche, Buenos Aires de seda y percal y
La señora Barba Azul. Su última película, ¡Qué linda es mi familia!, se estrenó
en 1980. Apodada «La Dama del Humor» y «La Chaplin con faldas», los últimos
años de su vida estuvieron marcados por los reconocimientos. En 1989 fue
distinguida como «Ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires», en 1992
recibió el premio Podestá a la trayectoria y en 1995, Marilú Marini, a modo de
homenaje, volvió a recrear sus libretos en dos obras teatrales. Falleció a los
92 años el 18 de marzo de 1996 y, posteriormente, se designó con su nombre a
una calle de Puerto Madero y a un teatro de Tigre.
Maximiliano Reimondi
miércoles, 13 de marzo de 2013
Fito Páez
Hijo de Margarita Zulema Ávalos (pianista concertista,
profesora de aritmética y álgebra) y de Rodolfo Páez (empleado administrativo
de la municipalidad). Cuando Páez tenía ocho meses, murió su madre Margarita
tras padecer un cáncer de hígado, por lo que su crianza quedó en manos de su
padre y de su abuela paterna.
A los 14 años ya lucía anteojos para contrarrestar la
miopía. Su aprendizaje musical del piano comienza con clases particulares de la
señora Bustos, posteriormente acude al Instituto Scarafía, donde se familiariza
con los métodos y técnicas de aprendizaje de Charles-Louis Hanon y Carl Czerny
(usados tradicionalmente en el aprendizaje de piano clásico), bajo la tutoría
de un profesor ukraniano que había sido profesor de su madre. Como se le
dificultaba la lectura de partituras, en los comienzos, era capaz de memorizar
el movimiento de los dedos de su maestro y ayudado por el oído, pudo superar
con éxito las primeras pruebas. Luego, cuando las lecciones y las piezas
clásicas que debía ejecutar, se hicieron más complejas, abandona su aprendizaje
formal e incursiona en la movida underground de su ciudad natal, donde su
talento natural comenzó a notarse muy pronto.
Primeros pasos
artísticos
Su primera formación data de la escuela primaria donde forma
un trío de folklore donde tocaba un bombo que su padre le regaló. Su primera
experiencia en una banda de rock fue sentado al piano y acompañado por Ricardo
Vilaseca y Patricio Pietro en guitarras acústicas. Tocaban temas de Sui Gëneris
en el patio de la escuela. En 1979 formó Neolalia junto a compañeros del
colegio Dante Alighieri y amigos del barrio. Solo llegaron a hacer dos
presentaciones en vivo. Luego formaría grupos como Sueñosía, junto a Fabián
Gallardo, Gno el Bizarro, Graf y Arcana; experiencias muy cortas que no
culminaron en la grabación de ningún disco.6 En 1980 formó Staff, cuyo mayor
logro fue ganar el primer premio del concurso de música progresiva, que contaba
entre el jurado al músico Juan Carlos Baglietto.
Más tarde le propusieron unirse a El Banquete, que por
entonces era considerada la mejor banda de rock de Rosario, integrada además
por Rubén Goldín, Silvina Garré, Sergio Sainz, Zappo José Aguilera y Daniel
Wirzt.
Paralelamente a ello también formó parte del grupo Acalanto,
un conjunto de folclore con el guitarrista Pichi de Benedictis.
Época con Juan Carlos
Baglietto
En 1981 Juan Carlos Baglietto, que realizaba presentaciones
a la par del grupo Acalanto, lo incluyó como tecladista y como arreglador
(junto a Rubén Goldín) en su banda. Con la cual fueron invitados a un
megarecital organizado por la revista Humor en el Estadio Obras Sanitarias, en
repudio a la llegada de Frank Sinatra a la Argentina. Por primera vez en la
historia, bandas del interior del país se reunían a tocar en ese estadio de
Buenos Aires.
En 1982, Baglietto firma con la compañía discográfica EMI y
graban el disco Tiempos difíciles, donde la mitad de las canciones fueron
compuestas por Páez y tuvieron un éxito importante, alcanzando a fines de ese
año la placa de oro.[cita requerida] El disco fue presentado durante la guerra
de Las Malvinas en el Estadio Obras Sanitarias el 14 de mayo de 1982, en un
recital histórico que se considera como el momento fundador de la llamada Trova
rosarina.8
Ese mismo año de 1981 Baglietto publica el álbum Actuar para
vivir, donde Fito participa al teclado y compone cuatro de las diez canciones,
entre ellas la que da nombre al disco. Este trabajo, fue presentado en vivo en
el teatro Astral. En 1983 participa en el tercer disco de Baglietto aportando
dos temas: «Tratando de crecer» y «Un loco en la calesita». Su última
participación con la banda de Baglietto sería en 1985 con el disco Modelo para
armar; aportando el tema que cierra el álbum: «Las cosas tienen movimiento».
De la época con Baglietto destacan una serie de recitales en
Rosario (Festival Rock Rosario 83) y en Buenos Aires (Estadio Obras
Sanitarias).
Paralelamente y debido al alejamiento de Andrés Calamaro,
Fito Páez se incorpora en la banda de Charly García, recomendado por Jorge
Lonch, para la gira del disco Clics modernos en 1983. Posteriormente participa
de la grabación del disco Piano bar 1984. Allí conoce quien sería su pareja
hasta 1990, Fabiana Cantilo quien era corista de la banda.
Inicio carrera solista
Fito Páez en 1984,
luego de editar Del 63
En 1984, firma un contrato de cinco años con la discográfica
EMI y edita su primer LP llamado Del 63 tras dos meses de trabajo en los
estudios Panda del barrio de Floresta en Buenos Aires. De este trabajo destacan
los temas «Del 63», «Tres agujas» y «La rumba del piano».
Un año después se aleja definitivamente de la banda de
García y edita el álbum Giros 1985, un álbum de gran repercusión, a través del
cual alcanza el reconocimiento en Argentina. Destacan los temas «Yo vengo a
ofrecer mi corazón», «11 y 6», y «Cable a tierra». Este disco marca la
consolidación del artista, con letras efectivas y un sonido novedoso. La voz de
Fito, aunada a la variedad rítmica de los temas, generaron una amalgama
melódica que fue muy comentada por la prensa y obtuvo gran aceptación del
público.
Este trabajo fue presentado en el Luna Park, en La Falda y
finalmente en Rosario a beneficio de los afectados por las inundaciones.
En 1986 edita el maxi single Corazón clandestino, un disco
de tres canciones que cuenta con la colaboración de Caetano Veloso en la
canción «La rumba del piano», que grabaron en portugués.
Posteriormente (junto a Luis Alberto Spinetta publica el
álbum La la la, también de 1986). De este álbum, es la conocida canción «Parte
del aire». Las presentaciones en vivo realizan en el Estadio Obras Sanitarias y
en Santiago de Chile.
En este mismo año, se presentó con su banda en Lima, en el
marco de la Semana de Integración Cultural Latinoamericana, y en el Festival de
Varadero (Cuba).
Asesinato de sus
abuelas y «Ciudad de pobres corazones»
El 7 de noviembre de 1986, mientras Fito se encontraba de
gira en Río de Janeiro, Delma Zulema Ramírez de Páez (abuela de Fito), Josefa
Páez (tía abuela) y Fermina Godoy (empleada de las abuelas, embarazada) fueron
brutalmente asesinadas. El año anterior había muerto el padre. En el crimen de
las abuelas, se inculpó a todo el mundo, al esposo de la empleada, a los tíos
de Fito, y a Fito mismo.
Posteriormente se determinó que el hecho fue consumado por un
frustrado bajista: Walter Di Giusti, quien residía en Rosario y conocía a las
víctimas.
El hecho provocó un alto impacto en el músico. Fabiana
Cantilo, viendo el deterioro emocional del artista, lo obligó un día a
levantarse de la cama para ir al estudio de grabación. Es allí donde compuso la
canción «Ciudad de pobres corazones».
Cuando encontré a Baglietto en La Mar Studios, me preguntó:
«¿Cómo estás?». Yo le di play a la consola de grabación y comenzó a escucharse
el tema: «¡En esta puta ciudad todo se incendia y se va, matan a pobres
corazones!» (con una instrumentación dramática de teclados y guitarras). Cuando
terminó le respondí: «Así estoy».
Fito Páez
Ciudad de pobres corazones se publicó en 1987 y es
considerado el más visceral de su carrera. Fue un álbum rabioso y violento, que
estremece por su crudeza. Entre las canciones que se apartan de la temática
principal están «Gente sin swing», «Ámbar violeta» y «Dando vueltas en el
aire». Hay tres canciones donde se destaca la participación de Fabiana Cantilo
en las voces: «Nada más preciado para mí», «Bailando hasta que se vaya la
noche» y «Track track». El resto de los temas están marcados por la oscuridad y
la tragedia, pero tienen un cierto acento poético y buenos arreglos El álbum
constituye un retrato de los sentimientos que embargan al músico y un descenso
a los infiernos sin menoscabo de la calidad artística, con letras que
representan pequeños retratos sociales y donde el artista mantiene variedad de
estilos rítmicos.
Fin de su contrato
con EMI Music
En 1988 publica lo que sería su último álbum con EMI Music:
Ey!. El disco es arreglado, producido y compuesto por Fito Páez. Se grabó entre
Buenos Aires, Nueva York y La Habana y en la producción de estudio vuelve
aparecer Tweety González, el cuarto Soda Stereo. Canciones como «Polaroid de
locura ordinaria» (que se convirtió en otro himno de su repertorio), «Solo los
chicos», «Dame un talismán», «Lejos en Berlín» y «Tatuaje falso» obtuvieron la
aprobación de los seguidores del músico y parte de la crítica especializada.
El estilo de este álbum es completamente inclasificable:
todavía hay rabia contenida y atisbos de claridad absoluta; lográndose una
mezcla entre canciones rockeras y las que destilan cadencias latinas muy
emparentadas a los ritmos caribeños como es el caso de: «Por siete vidas
(Cacería)» donde participa, en la sección de vientos, el grupo Afrocuba.
Ey! fue presentado en vivo, en distintos lugares con la
misma banda que grabó el disco, acompañado en coros por Fabiana Cantilo, a
quien dedicó el álbum.
Aquel 1988 cerró con la formación de un dúo junto a
Guillermo Vadalá que se llamó Chapa y pintura, con el que interpretaban
aquellas canciones que no encajaban en el proyecto solista de Páez, incluyendo
tangos, folclore, temas desconocidos de otros artistas argentinos y hasta
algunos de The Beatles.
Años noventa
En 1990 Fito Páez confronta problemas para la publicación de
lo que seria su nuevo material discográfico. La compañía discográfica EMI, en
su momento se negaba a publicarle su nuevo trabajo porque lo consideraba poco
comercial para los estándares básicos de la empresa.
Sin sello discográfico y sin dinero para pagar las deudas, en
una época donde Argentina presentaba una alta inflación, Páez recibió la noticia
de que Fabián Gallardo ―exguitarrista de su banda y amigo de la infancia― había
sido nombrado productor artístico de WEA (Warner Music Group). Gallardo le
ofreció contrato con dicha empresa y editó y publicó el álbum Tercer mundo en
1990. Para sorpresa de Páez, quien había marchado a Europa con miras a
radicarse allí, el álbum fue todo un éxito, llegando a ser disco de oro en su
país.
En ese mismo año Páez produce el disco Algo mejor de Fabiana
Cantilo, el cual fue el más exitoso de la carrera de la cantante.
Éxito internacional
El amor después del amor editado en 1992 marca la
consagración definitiva del cantante rosarino. El título del álbum es una clara
alusión al rompimiento de su antigua relación sentimental y el comienzo con
Cecilia Roth.
Los 14 temas son letra y música de Fito Páez. Este trabajo,
convocó a artistas de la talla de Mercedes Sosa, Andrés Calamaro, Charly
García, Luis Alberto Spinetta, Fabiana Cantilo, Celeste Carballo y Ariel Rot,
marcando uno de los picos en la carrera del artista. Además cuenta con un
equipo de productores como Carlos Narea, Fernando Moya y Alejandro Avalis; con
Nigel Walker al frente del equipo de técnicos de grabación y mezclas.
Entre las canciones más representativas del disco se pueden
mencionar aquellas de corte rockero y optimista: «El amor después del amor»,
«Brillante sobre el mic», «A rodar la vida» y «La rueda mágica»; esta última da
el nombre de la extensa gira del año 1993: La Rueda Mágica Tour.
Existe un segundo grupo de canciones de carácter intimista:
«Un vestido y un amor» (reversionado por otros artistas de renombre
internacional como Caetano Veloso y Mercedes Sosa), «Pétalo de sal», cantado
junto a Luis Alberto Spinetta, «Tumbas de la gloria» y «Balada de Donna Helena»
(compuesta originalmente para el disco Tercer mundo). Mención especial para la
canción «Detras del muro de los lamentos» grabada junto a Mercedes Sosa con un
fuerte acento folclórico y «Dos días en la vida», basada en el film Thelma
& Louise, con Fabiana Cantilo y Celeste Carballo en las voces.
Gracias a este éxito Fito Páez realizó una serie de 11
recitales en el teatro Gran Rex, de Buenos Aires para después hacer un
recorrido (llenando estadios y convirtiendo sus conciertos en auténticas
fiestas) a lo largo de toda la Argentina y más de nueve países, incluyendo
Cuba, donde fue el primer artista no cubano en tocar en la Plaza de la
Revolución, frente a 40.000 personas.
A mediados de la gira de 1993 se le entrega el cuádruple
disco de platino, con 240.000 discos vendidos y la ACE (Asociación de Cronistas
de Espectáculos) lo premia en tres clasificaciones: «mejor video clip», «mejor
canción de rock» (por el tema Tumbas de la gloria) y «mejor disco solista de
rock» (por El amor después del amor).
Fito Páez y su banda durante todo 1993 realizaron un total
de 120 espectáculos, el fin de la gira
se produce en el Estadio Vélez Sarsfield de Buenos Aires, donde los días 24 y
25 de Abril, 84 122 personas pagaron sus entradas para presenciar los
recitales, convirtiéndolo en el artista de mayor convocatoria con entradas
pagas de toda la historia del rock nacional argentino.
En diciembre Páez convocó nuevamente a un concierto al
Estadio Vélez Sarsfield, pero esta vez totalmente a beneficio de UNICEF,
dejando en limpio poco más de medio millón de dólares para este organismo de
Naciones Unidas.
Aprovechando el inusitado éxito obtenido por el artista, la
compañía discográfica EMI edita en disco compacto los trabajos Del 63, Giros,
Ciudad de pobres corazones, La la lá y Ey!, dejando fuera de este lanzamiento
el maxi Corazón clandestino. Años más tarde editó dos discos compilados que se
llamaron Crónica y Lo mejor de Fito Páez.
Ese 1993, los diarios Clarín y Página/12 catalogaron a Páez
como «mejor solista» y «mejor show en Vélez». Fue nominado para ser nombrado
«ciudadano ilustre» de la ciudad de Rosario, aunque ese proyecto nunca prosperó
entre los ediles de la ciudad.
Se calcula que el El amor después del amor vendió más de
750.000 copias, convirtiéndose en el disco más vendido en la historia del rock
argentino.
Circo Beat y
siguientes trabajos
En 1994 Fito Páez publicó Circo beat, donde destacan
«Mariposa technicolor», «Soy un hippie», «Tema de Piluso» (en homenaje al
cómico rosarino Alberto Olmedo), «Lo que el viento nunca se llevó» y «Si Dysney
despertase». Estas canciones son consideradas entre las más luminosas del
artista; con temas y arreglos que destilan alegría y optimismo.
Circo beat fue un disco grabado en un momento estelar de su
carrera y está considerado como una de las producciones más cuidadas del
rosarino y, uno de los preferidos del propio cantante. En una entrevista Fito
declaró que, fue uno de los pocos discos que ha hecho bajo presión de la
empresa discográfica y que, para tal fin se recluyó en su ciudad natal para
recrear experiencias de sus primeros años. La producción de este disco corre
por cuenta de Phil Manzanera y fue grabado pasando por Argentina, Italia y
Londres.
Este trabajo fue editado en Brasil con tres bonus tracks en
portugués: «Mariposa technicolor» a dúo con Caetano Veloso, «She’s mine» con
Djavan y «Nas luzes de Rosario» («Tema de Piluso»), con Herbert Vianna, de los
Paralamas). En total, esta placa vendió 350.000 copias, lo que lo convirtió en
el segundo álbum más exitoso de Argentina en 1995.
La presentación oficial de este nuevo trabajo, se hizo a
través de 20 recitales en el teatro Ópera, cerrando en el estadio de River
Plate, donde convocó a 25.000 espectadores. Cerró el año con un recital
gratuito en los Bosques de Palermo, al cual asistieron 50.000 personas.
En 1996, la cadena de televisión MTV, le ofreció editar un
disco en vivo y acústico, dentro del ciclo denominado MTV Unplugged, en el cual
la mayoría de los músicos mundialmente reconocidos han editado sus trabajos
dentro de este formato.
Pero Páez no llegó a un acuerdo económico con esa firma y
decide encarar un proyecto similar de manera independiente.
Finalmente, en coproducción con el canal de televisión
argentino Telefé, lanzó un disco acústico-sinfónico al que tituló Euforia 1996,
que fue, su primer trabajo grabado en vivo. Para este álbum, Fito compone tres
canciones inéditas: «Cadáver exquisito», «Tus regalos deberían de llegar» y
«Dar es dar», que fue un éxito instantáneo.
Tras un silencio de dos años, volvió a los estudios de
grabación, junto al cantautor español Joaquín Sabina con el álbum: Enemigos
íntimos (1998). El título es el reflejo de lo complicado que resultó el proceso
creativo, donde el español aportaría su fina prosa y Fito se encargaría de la
parte musical.
El disco, finalmente no contó con presentaciones en público
ni con la esperada gira promocional, a causa de incompatibilidades artísticas.
En esa oportunidad se cancelaron más de 70 recitales que
tenían vendidos y promocionados alrededor del mundo. El escándalo fue mayor
cuando Joaquín Sabina hizo pública una carta a Páez, donde en forma de verso,
resumía los motivos que determinaron el final de la relación laboral entre los
artistas: «Urge cortar por lo sano, con la gira del verano, y el quilombo del
video. El rol del patito feo no me va, te lo aseguro, y menos el de hombre
duro, que a ti te cuesta tan poco».
A nivel artístico, los dos cantantes lo catalogan como un
buen trabajo, que está lleno de canciones donde el estilo y la voz de Páez,
alcanzan predominio y entre las que destacó: «Llueve sobre mojado», con un
video promocional bastante difundido.
En 1999 lanzó Abre: el primer trabajo que, con canciones
nuevas y de forma solista presentaba el rosarino, después de Circo beat 1994.
El álbum, producido por Phil Ramone, busca situar la voz por encima de los
arreglos orquestales. Es un disco con canciones largas y letras fuertes como:
«La casa desaparecida», donde Páez aborda en once minutos una mirada bastante
pesimista de la Argentina; también hay canciones optimistas como: «Buena
estrella» y «Dos en la ciudad» que fue apoyada a través de un video donde Fito
Páez y Cecilia Roth, aparecen en parte de las escenas. La canción lanzada como
sencillo fue: Al lado del camino, que inmediatamente alcanzó el éxito,
realizándose un video bastante promocionado en la TV.
A raíz de este disco Fito Páez alcanza en el año 2000 sus
primeros premios Grammy Latinos: Mejor cantante masculino de rock y mejor
canción de rock por «Al lado del camino».
El disco fue presentado a través de varios conciertos,
siendo la actuación más recordada la que grabara para la empresa de TV
satelital DirecTV y el canal HBO Olé, en conjunto con Milton Nascimento en el
estadio Luna Park.
"Rey sol"
2000
En noviembre del año 2000 Fito Páez publica el álbum Rey
Sol, un trabajo de 13 canciones grabadas
en medio de la gira de promoción del disco Abre, producido nuevamente por Phil
Ramone, y grabado y mezclado en Miami.
Este disco constituye su tercer trabajo, producido en años
consecutivos, luego de Enemigos íntimos 1998 y Abre 1999.
El corte de difusión fue el tema «El diablo de tu corazón»,
donde a través de una visión personal y metafórica acusa a la Ciudad de Buenos
Aires y sus habitantes de tener: el diablo metido dentro de su corazón. El
videoclip dirigido por Eddie Flehner, presentó a modo de hipérbole, imágenes
urbanas violentas: peleas, destrozos, choques en las avenidas; con una visión
donde muestra la tensión y rabia que existe en las relaciones humanas
cotidianas, para terminar en escenas de gente besándose en las calles en el
momento en que la letra del tema plantea: ¿Porque nos cuesta tanto el amor?.
El álbum presenta además las canciones: "Rey sol"
dedicado a su hijo de un año, que aparece en la portada del disco;
"Vale" reinvindicando el famoso salto hacia la piscina de un hotel, realizado
por Charly García y "Dale loca" una especie de balada donde hay una
extraña mezcla de rabia y melancolía.
Este disco marca el fin de su contrato con Warner Music
empresa para la cual produjo siete discos entre 1990 y 2000, convirtiéndolo en
uno de los artistas argentinos más prolíficos de la década de los '90.
"Naturaleza
sangre" 2003 y siguientes trabajos
En mayo de 2003,
a raíz de la separación con Cecilia Roth en el 2002,
editó Naturaleza sangre, disco en el regresa a la estética rockera de los
ochenta, y donde aparecen como artistas invitados: la cantante brasileña Rita
Lee, Charly García y Luis Alberto Spinetta como invitados.
Este álbum es editado de manera independiente por Páez bajo
el sello propio: Circo Beat-DBN y fue grabado en los estudios del artista en la
ciudad de Buenos Aires. Parte de las canciones son una especie de retrato de su
estado emocional luego de la separación con la actriz Cecilia Roth, que tras
diez años y un hijo dejaron de ser pareja a finales del 2002. Aparte de los temas
de desamor: «Insoportable», «Oh nena», «139 Lexatins» y «Los restos de nuestro
amor», el disco presenta temas bastante rockeros y con letras optimistas como
«Volver a mí», «Urgente amar», «Salir el sol» y «Absolut vacío»; esta última
fue incluida como uno de los temas musicales en la película que Fito rodaría en
2007.
El disco marca el reencuentro con Charly García quien
interpreta a dúo con Fito la canción «Naturaleza sangre».
A raíz de este trabajo discográfico, Páez emprende su
regreso a los escenarios, saliendo de gira por todo el continente americano y
Europa con los músicos Guillermo Vadalá (bajista que forma parte de la banda de
Páez desde 1988), Gonzalo Aloras (guitarra), Sergio Verdinelli (baterista,
reemplazado por Jota Morelli) y Javier Lozano (teclados). A fines de diciembre
de 2003 cerró la fiesta del 114 aniversario del Club Atlético Rosario Central,
del cual es hincha.
En septiembre del mismo año lanzó su primer DVD, titulado
Naturaleza sangre, que incluye el recital completo que ofreció el año anterior
en el Teatro Gran Rex, a sala llena.
El DVD cuenta con el video del tema «Bello abril», en el que
canta junto a Luis Alberto Spinetta. Contiene un conjunto de fotos de
conciertos, conferencias de prensa, imágenes con músicos amigos y cierra con
dos videos más: el primero es del propio Páez al piano, interpretando un tema
inédito titulado Beauty; y el segundo muestra a Páez en un video casero el cual
contiene imágenes de su hijo Martín. Con este lanzamiento el cantante celebra
el vigésimo aniversario de su debut en vivo en 1984.
A finales de 2004, salió a la venta Mi vida con ellas, su
degundo álbum con grabaciones en vivo y editado a través de su sello
"Circo Beat-DBN". Fue un disco doble que contiene 18 canciones
provenientes de distintos recitales, que incluye cóvers y temas de su autoría.
El nombre del disco hace referencia a las mujeres que compartieron la vida con
Páez. Desde su tía Charito que lo crió, Fabiana Cantilo su amor de los años
ochenta, su exesposa Cecilia Roth y Romina Ricci entre las más destacadas.
En el año 2005, ya con rumores de separación de la pareja
Páez-Ricci, que luego se confirmarían, salió a la venta un nuevo trabajo de la
mano de su productora independiente.
Este disco lleva el nombre Moda y pueblo en el cual incluye
temas de Lito Nebbia, Luis Alberto Spinetta, Charly García y musicaliza un
poema de Federico García Lorca: "Romance de la pena negra"; además de
versionar temas propios. El disco cierra con el tema inédito "Las
palabras". El disco cuenta con una orquesta de 9 cuerdas, dirigida por
Gerardo Gandini.
Puede ser considerado como su segundo disco
acústico-sinfónico después de Euforia, pero esta vez grabado en estudio. La
cubierta de este disco tiene como protagonista a la popular actriz y conductora
argentina Susana Giménez.
En este año, realizó una colaboración artística en el disco
Bachata entre amigos, del cantautor dominicano Víctor Víctor, con quien
interpreta a dúo y a ritmo de bachata, su canción Un vestido y un amor.
"El mundo cabe
en una canción" 2006 y siguientes álbumes
Después de casi tres años sin producir temas musicales bajo
una línea «rockera», salió a la venta El mundo cabe en una canción 2006,
grabado en su estudio "Circo Beat" en Buenos Aires, bajo el sello
disquero Sony/BMG. El disco incluye 11 canciones nuevas escritas por Páez y
marca su regreso a una empresa multinacional, luego de su experiencia
independiente que abarcó, sus tres discos anteriores.
Eso que llevas ahí fue el corte de difusión del disco, y su
video fue rodado en distintos lugares de su ciudad natal. En enero de 2007
también se dio a conocer el video de Enloquecer, en el cual se muestran
imágenes de su última película como director, ¿De quién es el portaligas?,
película que se estrenaría, en septiembre de ese mismo año.
El disco superó las 20 000 unidades vendidas en el día de su
lanzamiento en Argentina y es considerado un álbum de gran calidad artística, a
pesar de algunas críticas, que catalogaron algunas canciones de pretenciosas y
pedantes.
El mundo cabe en una canción obtuvo en la octava edición de
los premios Grammy Latinos, otorgados en Las Vegas en 2007, el premio al
"mejor álbum de rock vocal".
El sábado 24 de febrero de 2007 encontró a Páez como el
protagonista de uno de los shows más importantes de Latinoamérica, el festival
Viña del Mar (en Chile), donde ofreció un recital de una hora, con un público
que coreó todas sus canciones. Uno de los momentos cumbres fue cuando subió al
escenario Álvaro Henríquez, quien acompañó a Páez en el tema Ciudad de pobres
corazones. Al término de esa canción subió al escenario el músico uruguayo
Rubén Rada para interpretar junto al argentino la canción A rodar mi vida. Fito
Páez fue reconocido esa noche con la Antorcha de Plata, Antorcha de Oro y
Gaviota de Plata, que son los mayores premios que se entregan en ese
espectáculo.
En julio de 2007 se embarcó en una nueva gira junto al
reconocido cantautor estadounidense Bon Jovi, con recitales que se llevaron a
cabo en forma individual en los países de México y Colombia, en el marco de tres
conciertos benéficos con los fines de recaudar fondos para recuperar espacios
naturales e impulsar la actividad social.
El 30 de agosto de 2007, se puso a la venta el disco
Rodolfo, en el cual el cantautor argentino acompañado unicamente del piano,
compone un total de 12 nuevas canciones, de las cuales dos de ellas son
instrumentales.
Entre las letras de este trabajo se pueden apreciar
historias de amores propios del músico, la historia de una mujer en la cárcel,
historias de familias, hijos y hasta una canción de «agradecimiento-homenaje»
para sus ídolos Luis Alberto Spinetta, Litto Nebbia y Charly García.
La crítica de este trabajo estuvo bastante dividida entre
quienes opinaron que era un trabajo que estaba como proyecto del cantante desde
hace mucho tiempo y otros que no consideraron necesaria esta producción.
La presentación de Rodolfo se llevó a cabo los días 5, 6 y 7
de octubre y el 19 y 20 de noviembre de 2007 en el Teatro Ópera de Buenos
Aires.
Con este trabajo ganó un Grammy Latinos como mejor "álbum
de cantautor".
En 2008 salió a la venta su tercer disco grabado en vivo
titulado No sé si es Baires o Madrid, donde Páez cantó 15 de sus temas más
representativos. El audio se registró en el Palacio de los Congresos, en Madrid
(España). En esta presentación aparecen como invitados los grupos españoles
Pereza y Marlango; Pablo Milanés y Ariel Rot. Este concierto marca el
reencuentro artístico con Joaquín Sabina cantado el tema de Sabina:
"Contigo", único tema que no era de su autoría.
Esta presentación fue editada en formato DVD, convirtiéndose
en el segundo trabajo de este tipo que posee el artista argentino.
Luego de 6 años, volvió a presentarse en el mítico Estadio
Luna Park de la Ciudad de Buenos Aires, acompañado por la banda de rock Coki
& The Killer Burritos, brindando dos conciertos, los días 28 y 29 de mayo
de 2009. El show tuvo como invitados a Juanse, Fabiana Cantilo, Carlos Vandera,
Gonzalo Aloras y, reviviendo sus comienzos, junto a Juan Carlos Baglietto, con
una versión en piano de «La vida es una moneda»,
El lunes 29 de junio de 2009 Fito cerró el festival
colombiano Rock al parque en su versión número 15. Concurrieron 150.000
personas, la mayor audiencia alguna vez vista en el Festival.
Semanas después, el miércoles 22 de julio recibe el premio
Gardel a la música 2009 en la categoría «mejor álbum artista canción
testimonial y de autor» por el álbum No sé si es Baires o Madrid; también
estuvo nominado en las categorías «mejor álbum banda de sonido de
cine/televisión» por el álbum ¿De quién es el portaligas? y «mejor DVD» por No
sé si es Baires o Madrid.
En noviembre de 2009, Fito Páez ganó en los premios Grammy
Latinos del 2009 el mejor álbum vocal pop masculino, por No sé si es Baires o
Madrid.
«Confiá»
El 16 de marzo de 2010 se editó Confiá, grabado entre los
meses de julio y diciembre de 2009 en las ciudades de Córdoba, Buenos Aires y
Río de Janeiro10 . El álbum contó con 12 canciones inéditas y una banda
renovada compuesta por: Aloras y Coki, en guitarras; Eloy Quintana, en bajo;
Bolsa González, en batería, y Eduardo Lyra, en percusión. Para su promoción se
grabaron tres video-clips: "Tiempo al tiempo", "Confiá" y
"London Town".
Este trabajo fue presentado el 7 de mayo de 2010 en el
estadio Luna Park, como parte de la gira promocional.
El 25 de mayo de 2010, Fito Páez cerró los actos del
Bicentenario de la Revolución de Mayo con un recital de dos horas en el
Obelisco (Buenos Aires) frente a una multitud emocionada, calculada en más de
dos millones de personas. El 6 de noviembre del mismo año celebró sus 30 años
de carrera con un concierto en el Auditorio Nacional de México en el que
estuvieron de invitados especiales: Armando Manzanero, Quique y Meme (de Café
Tacvba), Julieta Venegas y Susana Zabaleta.
En diciembre de 2010 participa del Festival El Abrazo, junto
a los más grandes músicos del rock argentino y chileno en Santiago de Chile,
terminado el concierto, llamó a escena a la banda chilena Los Tres
catalogándola como su banda favorita de Sudamérica. Finalmente el 30 de abril
del 2011 despide las presentaciones de su álbum Confiá con un show en el club
GEBA.
Actualidad
A finales de 2011 Fito Páez grabó el álbum de estudio
“Canciones para aliens”, siendo el primer trabajo donde no aparecieron
canciones escritas por él. Se trata de versiones y traducciones de canciones
famosas con la finalidad de ser enviadas al espacio, para ser escuchadas por
alguien en algún recóndito lugar del universo.13 La producción y los arreglos
estuvieron a cargo de Leo Sujatovich.
De las 14 canciones, cinco son cantadas a dúo y entre los
autores hispanos versionados destacan: Chico Buarque, Pablo Milanés, Joan
Manuel Serrat y Charly García. Mención especial merece la versión del tema “Un
beso y una flor” popularizada por Nino Bravo en 1972 y “Las dos caras del amor”
una traducción libre de la canción “Somebody to love” del grupo Queen.
En julio de 2011 escribió una nota de opinión donde
refiriéndose al resultado de las elecciones en Buenos Aires, en las que el por
entonces Jefe de Gobierno de la ciudad, Mauricio Macri, fue reelecto, comentó
que «da asco la mitad de Buenos Aires». El hecho generó denuncias de
discriminación, y una gran polémica entre críticos y quienes en general sin suscribir los dichos
defendieron el derecho de expresión de Fito, así como un respuesta irónica del
gobierno de la ciudad. Finalmente, el fiscal resolvió archivar la causa por
considerar que eran opiniones en el marco del derecho a la libre expresión.
En 2012, el diario Perfil criticó a Páez por aceptar 425.000
pesos del gobierno de Santa Fe por su recital en el bicentenario del primer
izamiento de la bandera argentina en su Rosario natal, acusándolo de un
supuesto «doble estándar» al aceptar grandes pagos del Estado. La provincia
justificó el gasto porque implicaba «poner el espacio público para disfrute de
todos».
A principios de 2012 se publicó el disco Mormazo de Dani
Umpi, que contiene la canción «El tiempo pasar», de Umpi, en la que Páez y la
cantante peruana Wendy Sulca colaboraron musicalmente.
A mediados de 2012 presenta su gira 20 años después del
amor, el cual lo lleva a tocar en Cuba, Chile, Costa Rica, Venezuela, Colombia,
Brasil, Uruguay, Perú, Paraguay, Bolivia, México, El Salvador, Nicaragua,
Honduras, Panamá, España, Israel, Reino Unido, Francia, y también en las
ciudades de Buenos Aires, Mendoza, Rosario, Tucumán y Córdoba de la República
Argentina. Su recital en Buenos Aires, realizado en el Planetario, reunió a más
de 38.000 personas y recibió invitados como Charly García, Fabiana Cantilo y
Celeste Carballo. Este recital será editado para un DVD por Sony Music.
Carrera
cinematográfica
La primera referencia de Fito Páez data de 1987, cuando
Fernado Spiner inspirado en el LP: Ciudad de pobres corazones y a través de un
mediometraje concebido para la televisión, “cuenta una violenta historia, donde
va ligando todos los tema del disco acompañada de una desgarradora entrega
escénica del músico”.26
Posteriormente, Páez participó como intérprete en dos
películas de Fernando E. Solanas: “Sur” 1988 y “El viaje” 1992; en esta última,
aparece brevemente haciendo el papel de si mismo: un músico idealista.
En 1993 dirige su primer mediometraje La balada de Donna
Helena: un relato sórdido que recrea sub-mundos infernales. Ese mismo año
aparece en la película “De esto no se habla” de María Luisa Bemberg.
En 2001, después de una larga búsqueda de financiación, Páez
debutó como director de cine con su primer largometraje, que tituló Vidas
privadas. El guión fue escrito por el propio Páez en colaboración con Alan
Pauls, y se desarrolla durante la última dictadura militar argentina
(1976-1983), tocando temas como la adopción y el incesto. Cecilia Roth y Gael
García Bernal fueron los protagonistas principales de la película. Fito declaró
que esta película se enmarca en una necesidad vital de contar historias y
transmitir experiencias que con las canciones era imposible recrear.
La película no obtuvo el favor de la crítica ni del público.
Se dice que la filmación contribuyó a la ruptura de la relación sentimental
entre Fito y Cecilia Roth, por los conflictos de personalidades que se
produjeron en el rodaje y la sobreexposición emocional de la pareja. Aparte de
esto, el financiamiento de varios productores fue retirado antes de comenzar a
rodar la película, por lo que el músico acabó comprometiendo en este proyecto
parte de sus bienes.
En 2007 estrenó ¿De quién es el portaligas?, su tercer
proyecto cinematográfico como director y guionista. La película fue rodada en
Rosario y La Cumbre. Es una especie de comedia de enredos sobre tres
veinteañeras rosarinas de los años ochenta; con un reparto encabezado por
Julieta Cardinali, Romina Ricci y Leonora Balcarce.
Páez declaró sobre el argumento: "El film gira sobre la
idea del paso del tiempo dentro de un grupo de personas amigas, e indaga sobre
las relaciones humanas cuando se rompen pactos de confianza, cuando se
traicionan; ¿Que pasa con la solidaridad…?. Creo que los años hacen una tarea
de desdramatización de las cosas y trato de mostrar a través del absurdo,
cuanto se sufre por no tener la perspectiva adecuada".
La crítica no dudó en compararla con la estética de algunos
trabajos de Pedro Almodóvar, realzando el buen trabajo actoral y un guión
eficaz.30 Sólo duró un poco más de una semana en las carteleras de los cines
más importantes de la capital argentina, llegando a escalar el octavo lugar en
la lista de recaudaciones, con una asistencia de público cercana a 10.500
espectadores.
En 2009 de la mano del Director Fernando Rubio y la
producción de Gastón Pauls, se filmó “Las Manos al Piano”, un trabajo minucioso,
sobre la relación amorosa del hombre con el piano; además, presenta aspectos
sobre su vida y su familia. El documental fue estrenado dentro de la 31°
edición del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano, en La Habana y se grabó
mientras, producía en su propia casa, el disco “Rodolfo” 2007.
En 2011 escribe y dirige el video clip “Las trémulas
canciones” de la banda argentina “Estelares”, donde aparecen Vera Spinetta y
Romina Ricci.
Vida personal
Fito Páez ha tenido tres relaciones sentimentales formales y
dos hijos. Sus parejas han estado ligadas al mundo artístico y luego de las
rupturas, mantuvo con ellas una estrecha y constructiva relación. “Lo que
siempre intento con todas las personas que me vinculo es quedar en buenos
términos. Si para algo sirve la inteligencia es para eso”32 .
Su primera relación fue con la cantante Fabiana Cantilo,
quien lo acompañó en la etapa creativa inicial que comprende la grabación de
seis álbumes. Se conocieron en 1983 cuando Fito es llamado a la banda de Charly
García.
Fabiana Cantilo comentó que la primera vez que vio al
cantante le sorprendió su apariencia: "Flaco, de pelo largo, cara rara:
era como un espadachín". Posteriormente la cantante quedó impactada por la
personalidad y creatividad del músico. Fabiana declaró años después de su
separación: “Fito realmente me aguantó y creo que yo lo ayude energéticamente,
pero la convivencia de nosotros era un desastre”. Fito Páez se ha referido a
ella expresando: "Era la mujer mas hermosa de Buenos Aires, fue una musa,
pero también me hizo sufrir mucho. Un día salió y no regresó en toda la noche,
yo andaba desesperado, en ese momento compuse "Tres agujas". El
conflicto y la guerra, esa fue la agenda con Fabi".
En 1990 se separan, luego de una ruptura anunciada en las
canciones del disco “Ey!” 1988 y posteriormente confirmada con la canción “Fue
amor” y "Dale alegría a mi corazón" del disco “Tercer Mundo”.
En 1991, en Punta del Este, Uruguay, Fito Páez conoció a
Cecilia Roth que en aquel entonces era una mujer casada. Ocho meses más tarde,
tras el divorcio de la actriz, el músico comenzó una relación sentimental que
alcanzó gran notoriedad.
Fito mantuvo una relación cercana a los diez años y, una vez
formalizada la adopción de su hijo Martín en 1999, luego de ocho años, deciden
casarse. El 23 de diciembre de ese año, bajo un total hermetismo, la pareja se
dirigió al Registro Civil, previo aviso a un par de conocidos suyos, y
contrajeron matrimonio. La fiesta fue muy íntima, y se llevó a cabo en el
departamento que compartían.
Es a partir de ese momento que comienza un enfriamiento de
la relación. En el álbum Rey sol 2000 varias canciones presagian el comienzo
del fin, que se agudiza en el rodaje de la película Vidas privadas 2001 donde
la pareja comienza un distanciamiento definitivo que se materializa en 2002.
Luego de separase de Cecilia conoce a la también actriz,
Romina Ricci 15 años menor que él. A través de ella concibió su primera hija
biológica en 2004. Decidieron ponerle el nombre de Margarita, en honor a la
mamá de Páez, la pianista Margarita Zulema Ávalos de Páez. Romina Ricci fue
parte de la inspiración del disco "El mundo cabe en una canción"
2006: la canción Rollinga o Miranda girl es una alusión a los sentimientos del
autor por la actriz; al igual que de su película de 2007 donde ella interpreta
el personaje principal. La pareja se separó tres años después.
Discografía
Álbumes de estudio
Del 63 (1984).
Giros (1985).
Corazón clandestino (Maxi single) (1986).
La la lá (con Luis Alberto Spinetta) (1986).
Ciudad de pobres corazones (1987).
Ey! (1988).
Tercer mundo (1990).
El amor después del amor (1992).
Circo beat (1994).
Enemigos íntimos (con Joaquín Sabina) (1998).
Abre (1999).
Rey Sol (2000).
Naturaleza sangre (2003).
Moda y pueblo (2005).
El mundo cabe en una canción (2006).
Rodolfo (2007).
Confiá (2010).
Canciones para aliens (2011).
Álbumes en vivo
Euforia (1996).
Mi vida con ellas (2004).
No sé si es Baires o Madrid (2008).
El amor despues del amor 20 años (2012)
Filmografía
Guionista y director
1993: La balada de Donna Helena (mediometraje).
2001: Vidas privadas.
2007: ¿De quién es el portaligas?.
2011: Las trémulas canciones (videoclip).
Intérprete
1988: Sur (del director Fernando Solanas).
1992: El viaje (del director Fernando Solanas).
1993: De eso no se habla (del director María Luisa Bemberg).
2001: Historias de Argentina en vivo (de los directores
Adrián Caetano, Bruno Stagnaro, Marcelo Piñeyro, Andrés Di Tella, Miguel
Pereira, Cristian Bernard, Albertina Carri, Gustavo Postiglione, Flavio
Nardini, Fernando Spiner, Gregorio Cramer, Jorge Polaco, Vicentino (Vicentino y
Eduardo Capilla).
2006: Que sea rock (del director Sebastián Schindel).
2006: La peli (del director Gustavo Postiglione).
Participación en
películas
Todo sobre mi madre (cameo, aplaude al final de la
representación de Un tranvía llamado deseo cuando Manuela [Cecilia Roth]
suplanta a Nina).
Musicalización (banda
de sonido)
1981: A bordo de un carrito (del director Mario Piazza).
1987: Sur (del director Fernando Pino Solanas).
1992: El lado oscuro del corazón (del director Eliseo
Subiela).
1997: Martín Hache (del director Adolfo Aristarain).
2001: Solo un ángel (del director Horacio Maldonado).
2002: El cumple (del director Gustavo Postiglione).
Videoclips
Giros 1985
Ciudad de pobres corazones 1987
Bailando hasta que se vaya la noche 1987
Nada más preciado para mí 1987
Dando vueltas en el aire 1987
Fuga en tabú 1987
Gente sin swing 1987
A las piedras de Belén 1987
De 1920 1987
Ámbar violeta 1987
Track track 1987
Solo los chicos 1988
Por siete vidas (Cacería)1988
Tercer mundo 1990
Fue amor 1990
Tumbas de la gloria 1992
Sasha, Sissí y el círculo de baba 1992
Balada de Donna Helena 1992
El amor después del amor 1992
Circo beat 1994
Mariposa technicolor 1994
Soy un hippie 1994
She’s mine 1994
Cadáver exquisito 1996
Once y seis 1996
Llueve sobre mojado 1998
Al lado del camino 1999
Dos en la ciudad 1999
Es solo una cuestión de actitud 1999
El diablo de tu corazón 2000
Nuevo 2003
Volver a mí 2003
Bello abril 2003
Enloquecer 2006
Eso que llevas ahí 2006
Si es amor 2007
El cuarto de al lado 2007
Tiempo al tiempo 2010
Confiá 2010
London Town 2010
Maximiliano Reimondi
lunes, 11 de marzo de 2013
Alfredo Zitarrosa
Alfredo Zitarrosa (Montevideo, 10 de marzo de 1936 -
Montevideo, 17 de enero de 1989) fue un cantautor, poeta, escritor y periodista
uruguayo, considerado una de las figuras más destacadas de la música popular de
su país y de toda América Latina.
Hijo natural de Jesusa Blanca Nieve Iribarne (Blanca), que
con 19 años lo dio a luz en el Hospital Pereira Rossell, de Montevideo, fue
anotado como Alfredo Iribarne.
A poco de nacer, en circunstancias especiales, su madre lo
dio a criar al matrimonio compuesto por Carlos Durán, hombre de varios oficios,
y Doraisella Carbajal, por ese entonces empleada en el Consejo del Niño,
pasando a ser Alfredo Pocho Durán, viviendo con ellos en diversos barrios de
esa ciudad, trasladándose luego, entre 1944 y fines de 1947, al pueblo de
Santiago Vázquez, con frecuentes visitas a la campaña cerca de Trinidad,
capital del departamento de Flores, de donde era oriunda su madre adoptiva. Se
ha señalado que esta experiencia infantil lo marcó para siempre, notándose en
su repertorio la inclusión mayoritaria de ritmos y canciones de origen
campesino, fundamentalmente milongas.
Regresó con su familia adoptiva, por breve tiempo, a
Montevideo, para luego pasar a vivir, al comienzo de su adolescencia, con su
madre biológica y el esposo de esta, quien a la postre le diera su apellido, el
argentino Alfredo Nicolás Zitarrosa, y su hermana recién nacida, en lo que hoy
es Ciudad del Plata (anteriormente Rincón de la Bolsa), en el km. 29,500 de la
vieja ruta a Colonia, departamento de San José. Afincado allí, cursaba el Liceo
en Montevideo, adonde finalmente se trasladó en su temprana juventud, viviendo
primero con el matrimonio Durán y luego en la pensión de la señora Ema, sita en
la calle Colonia esquina Médanos (hoy Barrios Amorín), para ocupar después la
famosa buhardilla de la casa que funcionaba también como pensión y era
propiedad de Blanca Iribarne, su madre, ubicada en la calle Yaguarón (hoy
Aquiles Lanza) 1021, enfrente de la plaza que actualmente lleva su nombre y a
la vista del Cementerio Central. Trabajó, entre otros menesteres, como vendedor
de muebles, de suscripciones a una sociedad médica, de oficinista y en una
imprenta. Tiempo después, recordaría con especial afecto al que fuera su primer
empleador, un tal Pachelo, que le fue presentado por uno de sus compañeros
habituales de viaje en sus traslados diarios a Montevideo, durante la época
liceal.
Se inició en las lides artísticas en 1954, como locutor de
radio, incursionando como presentador y animador, libretista e informativista,
e incluso como actor de teatro. Fue también escritor, poeta y periodista,
destacándose, en esta última actividad, su labor en el semanario Marcha.
Encontrándose en Perú, forzado por las circunstancias y un
poco fortuitamente, debutó profesionalmente como cantor en 1964, exactamente el
día 20 de febrero, en un programa que se emitía por el Canal 13, Panamericana
de Televisión, comenzando así una carrera que nunca se interrumpiría. Zitarrosa
relata así su experiencia:
No tenía ni un peso, pero sí muchos amigos. Uno de ellos,
César Durand, regenteaba una agencia de publicidad y por sorpresa me incluyó en
un programa de televisión, y me obligó a cantar. Canté dos temas y cobré 50
dólares. Fue una sorpresa para mí, que me permitió reunir algunos pesos.
Poco después, al pasar por Bolivia de regreso a Uruguay,
realizó varios programas en Radio Altiplano de la ciudad de La Paz, debutando
posteriormente en Montevideo, allá por 1965, en el Auditorio del SODRE
(Servicio Oficial de Difusión Radioeléctrica). Su participación en este espacio
le sirvió de peldaño para ser invitado, a principios de 1966, al ya reconocido
Festival de Cosquín, en Argentina, al que volvería en 1985.
Desde el principio, se estableció como una de las grandes
voces del canto popular latinoamericano, con claras raíces de izquierda y
folclóricas. Cultivaba un estilo contenido y varonil, y su voz grave y un
típico acompañamiento de guitarras le dieron su sello característico.
Se adhirió al Frente Amplio de la izquierda uruguaya, lo que
le valió el ostracismo y finalmente el exilio durante los años de la dictadura.
Sus canciones estuvieron prohibidas en Uruguay desde el año 1971, y más tarde
en Argentina y Chile, durante los regímenes dictatoriales que gobernaron esos
países. Vivió entonces, sucesivamente, en Argentina, España y México, a partir
del 9 de febrero de 1976.
Levantada la prohibición de su música, como la de tantos en
la Argentina luego de la Guerra de Las Malvinas, se radicó nuevamente en Buenos
Aires, donde realizó tres memorables recitales en el Estadio Obras Sanitarias
los primeros días del mes de julio de 1983. Casi un año después volvió a su
país, donde tuvo una histórica y masiva recepción el 31 de marzo de 1984, la
que fue descrita por él mismo como «la experiencia más importante de mi vida».
Falleció en los albores del 17 de enero de 1989, a causa de una
peritonitis derivada de un infarto mesentérico.
Obra
Entre las canciones que se convirtieron en grandes éxitos
figuran Doña Soledad, Pa'l que se va, Crece desde el pie, Recordándote,
Stéfanie, Adagio en mi país, Zamba por vos, El violín de Becho y el poema por
milonga Guitarra negra.
Como poeta, fue galardonado por la Intendencia de Montevideo
con el Premio Municipal de Poesía de 1959, por el libro Explicaciones, que nunca
quiso publicar.
En 1988 vio la luz su libro de cuentos Por si el recuerdo,
con relatos escritos en distintos momentos de su vida.
Su vida en sus
creaciones
Como todo creador, Alfredo Zitarrosa nutre su obra de
fuentes diversas. Aun así, en su caso particular es de destacar el alto
componente autobiográfico, o la exposición de vivencias personales, que
aparecen en sus creaciones.
Así tenemos, por ejemplo, que en el tema Pájaro rival
refleja una honda preocupación existencial y hasta tiene una intuición premonitoria
de su muerte próxima, ocurrida poco después de finalizar la grabación del disco
donde está incluido, Sobre pájaros y almas, editado póstumamente en 1989:
Por sanar de una herida
he gastado mi vida
pero igual la viví
y he llegado hasta aquí.
Por morir, por vivir,
porque la muerte es más fuerte que yo
canté y viví en cada copla
sangrada querida cantada
nacida y me fui...
Esa herida de la que habla, más allá de la duda existencial
común a cualquier ser humano, tiene que ver con su particular historia
personal, la que se refleja en Explicación de mi amor, una canción donde reúne
elementos de los tres padres que tuvo, fundamentalmente del biológico, que lo
negó, y cuya sombra lo persiguió toda su vida:
Mi padre serás, como fuiste mi padre,
un gameto en la grieta cerrada del tiempo...
Mas mientras te busque en las cosas,
en tanto regreses sin que yo te llame o te olvide,
te pido que limpies mi amargo dolor;
por favor, que no sigas muriendo.
O de lo vivido con su padre adoptivo, Carlos Durán, al que
acompañó en sus últimos días. Años después, así recordó el episodio:
"Carlos no era mi padre y yo lo sabía. Era muy viejo para ser mi mejor
amigo, pero cuando ya viudo me pidió que no lo abandonara, sentí que más que mi
padrastro era mi hermano, y lo acompañé hasta el final, y lo enterré, con la
ayuda de sus sobrinos auténticos, después de rescatarlo, desnudo, de la morgue
del Hospital Militar. Su ataúd sonó como un bramido al dar un tumbo en el fondo
del Panteón Policial del Buceo".4 (Se refiere al cementerio ubicado en el
barrio montevideano conocido como El Buceo.)
...voz ronca de un órgano ya enmudecido,
ahí estás, larga caja de pino.
Rinde homenaje al mismo Carlos Durán, que había sido, entre
otros oficios, policía ('milico', en el lenguaje popular) por necesidad,
dedicándole uno de sus temas más emblemáticos, la Chamarrita de los milicos. Él
lo explica de esta manera: "(…) Fue escrita de un tirón en la mesa de un
bar de Bvar. Artigas y 18 de julio, el 27 de enero de 1970. Ese día había
nacido mi hija Carla Moriana y yo sentía que le estaba escribiendo al que no
pudo ser su abuelo, mi padre adoptivo, Carlos Durán, quien siendo hijo de
coronel ‘colorado’, había terminado de ‘milico’ en los años 40. Pobres como
éramos, yo recuerdo el gran revólver de mi padre, descargado, que él guardaba
en un cajón del ‘trinchante’, después de quitarse ‘las correas’, cada noche o
cada mañana, según las guardias. Las balas, siempre separadas, olían a todas
las cosas que allí guardaba mamá. Yo no podía imaginarme de qué modo se abrían,
ni qué demonios tendrían adentro que eran tan peligrosas. Pero eran, esas balas
y ese revólver, el lujo subalterno de aquella humilde casa, una prenda del
Estado -así me decían- que mi padre portaba como una penitencia no exenta de
cierto orgullo vacilante.":
Chamarrita cuartelera,
no te olvides que hay gente afuera,
cuando cantes pa’ los milicos,
no te olvides que no son ricos,
y el orgullo que no te sobre,
no te olvides que hay otros pobres.
En gran parte de sus canciones pone de manifiesto, también,
su conocimiento del campo y el medio rural, adquirido durante su infancia en
sus frecuentes visitas a los hermanos de su madre adoptiva, particularmente su
tío José Pepe Carbajal. Dijo él al respecto: "Todas las vacaciones, en el
tiempo de verano, yo me iba al centro mismo del país, a la ciudad de Trinidad,
capital del departamento de Flores, que -tal vez- es el más atrasado de estos
departamentos del interior del país; una zona eminentemente ganadera, de
grandes latifundios (…) Allí yo he pasado los tres meses de verano, desde que
recuerdo hasta los 12 años, desde muy pequeño hasta los 12 años. Allí, claro,
aprendí todo lo que sé del campo, aunque más tarde viviera en el campo también,
pero ya de adolescente. Aprendí a montar a caballo, a ordeñar; cosas del
campo... a cazar".
Esta frecuentación hizo que tomara especial preferencia por
la música campera, y que su personalidad se impregnara de rasgos campesinos,
dándole algo más que elementos para sus creaciones. La milonga Mi tierra en
invierno es una de ellas, en la que demuestra conocer muy bien distintas
facetas del quehacer rural.
El apego al caballo y su especial cuidado, como elemento
imprescindible en las tareas cotidianas:
…y aunque el caballo esté sano,
lo cuida de la garganta
que, aunque el caballo no canta,
lo ha de tener siempre a mano.
Las tareas con el ganado:
...porque llegado setiembre
será tiempo de castrar,
de marcar y descolar...
Las plagas:
...Hay que vigilar la hormiga
que hace pirva en campo llano...
O los tiempos de cosecha:
...se trilla el trigo en diciembre.
En su temprana juventud, conchabado ya como locutor en la
radio, en Montevideo, comienza a despertar su vocación artística y su gusto por
la bohemia, y la noche y sus fantasmas. Son tiempos de experimentos diversos,
en los que pone a prueba su capacidad en diferentes quehaceres del arte. La
parte medular de esa etapa de su vida transcurre en el Barrio Sur, donde habita
en una casa frente a una plaza, a la que también da el cementerio; ese lugar
-barrio de negros, de candombe, de carnaval, de llamadas, de gente humilde,
solidaria y fraterna- deja su impronta en la sensibilidad del joven Alfredo
Zitarrosa, que tiene, desde siempre, una inclinación particular: quiere parecer
mayor, mostrarse como una persona seria y circunspecta, por el gusto de hacerlo
y también, quizá, porque siempre aparentó tener menos años de los que tenía.
Llegaba a tal punto esta obsesión, que hasta se puso anteojos, que no
necesitaba, para aumentarse la edad. Con el tiempo, y ya en su oficio de cantor,
siempre se presentaría en sus actuaciones, en el lugar que fuera, vestido a la
manera tradicional, con traje y corbata y con una apariencia rigurosamente
formal.
Fragmento de Guitarra
negra
Hoy anduvo la muerte revisando los ruidos del teléfono,
distintos bajo los dedos índices, las fotos, el termómetro, los muertos y los
vivos, los pálidos fantasmas que me habitan, sus pies y manos múltiples, sus
ojos y sus dientes, bajo sospecha de subversión... Y no halló nada... No pudo
hallar a Batlle, ni a mi padre, ni a mi madre, ni a Marx, ni a Arístides, ni a
Lenin, ni al príncipe Kropotkin, ni al Uruguay ni a nadie... ni a los muertos
Fernández más recientes... A mí tampoco me encontró... Yo había tomado un
ómnibus al Cerro e iba sentado al lado de la vida.
Maximiliano Reimondi
viernes, 8 de marzo de 2013
Día Internacional de la Mujer
La mujer en la
Revolución francesa
Durante la Revolución francesa la mujer tomará por primera
vez, de manera colectiva, conciencia de su situación social. Marchando hacia
Versalles, junto a los hombres, las mujeres parisinas reclamaron la igualdad
social bajo el lema libertad, igualdad y fraternidad. Las mujeres también
tomaron conciencia de que en aquel momento la lucha de clases no contemplaba la
lucha de género, esto es, la plena igualdad social de la mujer por la que debían
luchar. Durante la Revolución francesa se produjeron las primeras peticiones
formales de derechos políticos y ciudadanía para la mujer.
La reivindicación de la igualdad de la mujer y el movimiento
obrero.
En sus inicios, finales del siglo XVIII y principios del
XIX, el movimiento obrero mantenía una posición tradicional de corte patriarcal
en relación con la igualdad de la mujer y sus reivindicaciones. Será a mediados
del siglo XIX cuando los movimientos reivindicativos de la mujer tomen fuerza:
lucha por el sufragio femenino, la reivindicación de la igualdad, la denuncia
de la opresión social, familiar y laboral. Surgieron entonces los denominados
movimientos sufragistas, inicialmente de origen burgués, con figuras como Flora
Tristán.
Los primeros grupos feministas en el movimiento obrero
tendrán como gran aliado teórico el libro de Friedrich Engels, publicado en
1884, El origen de la familia, la propiedad privada y el Estado8 y surgirán
dentro de los movimientos anarquistas que reivindicaban, desde el neomalthusianismo,
la procreación consciente del proletariado, la separación entre sexualidad y
reproducción, la defensa de la maternidad libre, la liberación femenina, la
libertad sexual, la promoción de la planificación familiar, el cuidado de los
niños así como el uso y difusión de métodos anticonceptivos artificiales.
Cronología de la
celebración del Día Internacional de la Mujer
Año 1909 y 1910 - Proclamación del día internacional de la
Mujer Trabajadora
El 28 de febrero de 1909 se celebró por primera vez en
Estados Unidos el Día de las mujeres socialistas tras una declaración del
Partido Socialista de los Estados Unidos.12
En agosto de 1910 la II Conferencia Internacional de Mujeres
Socialistas, reunida en Copenhague, reiteró la demanda de sufragio universal
para todas las mujeres y, a propuesta de la socialista alemana Luise Zietz, se
aprobó la resolución propuesta por Clara Zetkin proclamando el 8 de marzo como
el Día Internacional de la Mujer Trabajadora. La propuesta de Zetkin fue respaldada unánimemente
por la conferencia a la que asistían más de 100 mujeres procedentes de 17
países, entre ellas las tres primeras mujeres elegidas para el parlamento
finés. El objetivo era promover la igualdad de derechos, incluyendo el sufragio
para las mujeres.
Año 1911 - Primera celebración del Día Internacional de la
Mujer Trabajadora
Como consecuencia de la decisión adoptada en Copenhague el
año anterior, el Día Internacional de la Mujer Trabajadora se celebró por
primera vez el 19 de marzo en Alemania, Austria, Dinamarca y Suiza, con mítines
a los que asistieron más de un millón de personas, que exigieron para las
mujeres el derecho de voto y el de ocupar cargos públicos, el derecho al
trabajo, a la formación profesional y a la no discriminación laboral.
Incendio en la
fábrica de camisas Triangle Shirtwaist de Nueva York, el 25 de marzo de 1911.
Murieron 146 mujeres y 71 resultaron heridas. La gravedad
del desastre hizo que se modificara la legislación laboral en Estados Unidos.
El incendio en la fábrica de camisas Triangle de Nueva York
Menos de una semana después, el 25 de marzo, más de 140
jóvenes trabajadoras, la mayoría inmigrantes, murieron en el trágico Incendio
en la fábrica de camisas Triangle Shirtwaist de Nueva York. Este suceso tuvo
grandes repercusiones en la legislación laboral de los Estados Unidos, y en las
celebraciones posteriores del Día Internacional de la Mujer se hizo referencia
a las condiciones laborales que condujeron al desastre.16
Años 1913 y 1914 - Día Internacional del Mujer antes de la
Primera Guerra Mundial
En 1913, en el marco de los movimientos en pro de la paz que
surgieron en vísperas de la primera guerra mundial, las mujeres de Rusia
celebraron su primer Día Internacional de la Mujer el último domingo de febrero
de dicho año. En 1914 en Alemania, Suecia y Rusia se conmemora por primera vez,
de manera oficial, el Día Internacional de la Mujer el 8 de marzo. En el resto
de Europa, las mujeres celebraron mítines en torno al 8 de marzo para protestar
por la guerra y para solidarizarse con las demás mujeres.
Año 1917 - Día
Internacional en la Unión Soviética-
Estando aún en plena Primera Guerra Mundial, en la que ya
habían muerto 2 millones de soldados rusos, se produjo la Revolución de
Febrero, que marcó la primera etapa de la Revolución rusa de 1917 En la primera
mitad de febrero de 1917, el inicio de una hambruna provocó revueltas en la
capital Petrogrado, actual San Petersburgo.
El 18 de febrero-jul./ 3 de marzo de 1917, la mayor fábrica
de Petrogrado, la factoría Putilov se cerró, quedando 30.000 trabajadores en
situación desesperada. Se anunció una huelga; se disparó a los huelguistas y
algunas tiendas cerraron, lo que provocó insurrecciones en otros centros de
producción.
El 23 de febrero-jul./ 8 de marzo de 1917, se celebró una serie
de mitines y manifestaciones con motivo del Día Internacional de la Mujer que
progresivamente alcanzaron un fuerte tono político y económico. Incidentes
entre amas de casa en las largas colas por conseguir pan se convirtieron en
manifestaciones espontáneas contra la monarquía y a favor del final de la
guerra. Comenzó así el levantamiento popular que acabó con la monarquía, sin
preparación ni coordinación de los partidos revolucionarios.
Años 1922 a 1975 -
Institucionalización del Día Internacional de la Mujer-
Después de la revolución de octubre, la feminista Alexandra
Kollontai (que desde su nombramiento como Comisaría del Pueblo para la
Asistencia Pública logró el voto para la mujer, que fuera legal el divorcio y
el aborto) consiguió que el 8 de marzo se considerase fiesta oficial en la
Unión Soviética, aunque laborable. El 8 de mayo de 1965 por decreto del USSR
Presidium del Sóviet Supremo de la Unión Soviética de la URSS se declaró no
laborable el Día Internacional de la Mujer Trabajadora.
Desde su aprobación oficial por la Unión Soviética tras la
Revolución rusa de 1917 la fiesta comenzó a celebrarse en otros muchos países.
En China se celebra desde 1922, en España se celebró por primera vez en 1936.
En 1975 la ONU comenzó a celebrar el 8 de marzo como el Día
Internacional de la Mujer. En diciembre de 1977, dos años más tarde, la
Asamblea General de la ONU proclamó el 8 de marzo como Día Internacional por
los Derechos de la Mujer y la Paz Internacional.
